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International short films on display as window screenings in Cologne
In November 2020 started the short film series "in views", hosted by the public charity "Contemporary Middle East e. V." in Cologne's hip district of Ehrenfeld. The series consists of a row of window screenings, with a shop-window becoming the stage for presenting art to the audience on its daily paths.
The title of the series does stand for both, the views of the audience through the glass, but also the views of the various artists involved in this project on their personal artistic perspectives and vantage points on the various relations and connections between Western and Middle East culture. By taking individual topics in their view, the artists offer us, the audience, new chances of widening our views. Whether all agree on every provocative aspect discussed in the films or whether this may open up a dialog on different perspectives and views, remains exciting.
After an international Open Call the audience in Cologne will be presented 6 films from different filmmakers and video-artists. Most of the works are on display in Germany for the first time.
The window:Six short films will be presented in a shop-window in Cologne. The window serves as both, the projection of the film and the amplification of its soundtrack. Without any visible speakers, the street is filled with sound, giving the audience a bodily and intriguing experience that goes beyond the visible attraction.
The concept of such a window screening meets perfectly with the current pandemic-related demand for distancing, as the viewers stay on the street, taking part and 'entering' emotionally and intellectually, but not physically.
About us:
Contemporary Middle East. e.V. (conmidea.org) is a Cologne-based association, founded in 2019 with the purpose of artists support, cultural education and exchange specifically between Western and Middle East cultures. Our goal is to initiate and curate unconventional exhibition-formats, which enable a broad, generation-spanning, socially diverse and multicultural audience to participate in a dialogue about current perspectives on how to come together and understand each other in society, culture or religion – with art being the mediator and catalyst for that dialogue.
International short films on display as window screenings in Cologne
In November 2020 started the short film series "in views", hosted by the public charity "Contemporary Middle East e. V." in Cologne's hip district of Ehrenfeld. The series consists of a row of window screenings, with a shop-window becoming the stage for presenting art to the audience on its daily paths.
The title of the series does stand for both, the views of the audience through the glass, but also the views of the various artists involved in this project on their personal artistic perspectives and vantage points on the various relations and connections between Western and Middle East culture. By taking individual topics in their view, the artists offer us, the audience, new chances of widening our views. Whether all agree on every provocative aspect discussed in the films or whether this may open up a dialog on different perspectives and views, remains exciting.
After an international Open Call the audience in Cologne will be presented 6 films from different filmmakers and video-artists. Most of the works are on display in Germany for the first time.
The window:
Six short films will be presented in a shop-window in Cologne. The window serves as both, the projection of the film and the amplification of its soundtrack. Without any visible speakers, the street is filled with sound, giving the audience a bodily and intriguing experience that goes beyond the visible attraction.
The concept of such a window screening meets perfectly with the current pandemic-related demand for distancing, as the viewers stay on the street, taking part and 'entering' emotionally and intellectually, but not physically.
About us:
Contemporary Middle East. e.V. (conmidea.org) is a Cologne-based association, founded in 2019 with the purpose of artists support, cultural education and exchange specifically between Western and Middle East cultures. Our goal is to initiate and curate unconventional exhibition-formats, which enable a broad, generation-spanning, socially diverse and multicultural audience to participate in a dialogue about current perspectives on how to come together and understand each other in society, culture or religion – with art being the mediator and catalyst for that dialogue.
The films and and their makers
Click on the individual pictures below, for more info on the works, the artists and the concrete screening times
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Six short films will be presented in a window of the shop "Der Gute Grund" (the good reason) in Cologne. The window serves as both, the projection of the film and the amplification of its soundtrack. Without any visible speakers, the street is filled with sound, giving the audience a bodily and intriguing experience that goes beyond the visible attraction.
The concept of such a window screening meets perfectly with the current pandemic-related demand for distancing, as the viewers stay on the street, taking part and 'entering' emotionally and intellectually, but not physically.
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The venue:
The location has been chosen due to its analogies to some of the fundamental aspects of the in-views-series: The concept and style of "The Good Reason", with its mixture of office- and workshop-space, creative hotspot and space for exchanging and reflecting thoughts with others on sustainability and the quality of life in our technological society – as well as its location in a much-frequented, multi-cultural surrounding – correspond in an interesting way with the films displayed here. Those, too, are giving insights on personal biographies in multi-national living spaces. The works also deal with – and question – role patterns, life scripts, self-discovery and social, as well as personal liberties.
But above all, art is coming to the audience here – leaving behind the museal context and finding its place in daily life environments.
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| The window
#two
About the venue:The location has been chosen due to its analogies to some of the fundamental aspects of the in-views-series: The concept and style of "Der Gute Grund" (the good reason), with its mixture of office- and workshop-space, creative hotspot and space for exchanging and reflecting thoughts with others on sustainability and the quality of life in our technological society – as well as its location in a much-frequented, multi-cultural surrounding – correspond in an interesting way with the films displayed here. Those, too, are giving insights on personal biographies in multi-national living spaces. The works also deal with – and question – role patterns, life scripts, self-discovery and social, as well as personal liberties.But above all, art is coming to the audience here – leaving behind the museal context and finding its place in daily life environments.
#five
An excerpt of the film shown in Cologne can be viewed here...
#three
"Holding the hand of a girl, the viewer gets caught in a labyrinth of different forces, as if guided by Ariadne's thread. Tradition, family, culture, society, nature, seduction, belonging, responsibility … all pull their strings and leave us with it in an enigmatic state of cryptic symbols and signs. The ribbon transforms into a shackle, into calligraphic symbols and becomes invisible while dancing in a row and then shows up shattered and torn apart so as to lead to new paths.
Astrid Menze, supporter of conmidea.org, on the film by Gazelle Samizay
The works of Afghan-American video artists Gazelle Samizay often reflect the complexities and contradictions of culture, nationality and gender through the lens of her bicultural identity. Various of her projects in photography, video and mixed media have been exhibited to a wider audience across the US and internationally. She was born in Kabul, grew up in Washington and currently resides in San Francisco.
#one
#six
In this video-interview, Gazelle is providing insight into her work
#four
More info on the artist: www.gazellesamizay.com
"Holding the hand of a girl, the viewer gets caught in a labyrinth of different forces, as if guided by Ariadne's thread. Tradition, family, culture, society, nature, seduction, belonging, responsibility … all pull their strings and leave us with it in an enigmatic state of cryptic symbols and signs. The ribbon transforms into a shackle, into calligraphic symbols and becomes invisible while dancing in a row and then shows up shattered and torn apart so as to lead to new paths.
Astrid Menze, supporter of conmidea.org, on the film Khat-e Penhan / Hidden Line by Gazelle Samizay
The works of Afghan-American video artists Gazelle Samizay often reflect the complexities and contradictions of culture, nationality and gender through the lens of her bicultural identity. Various of her projects in photography, video and mixed media have been exhibited to a wider audience across the US and internationally. She was born in Kabul, grew up in Washington and currently resides in San Francisco.
Discover more on Mohamed Al-Bakeri on his instagram-profile
"My video work “Between Men” looks into the social politics and performances of everyday gestures between men in male dominated spaces, specifically in the body language that is generated within, in relation to society, politics, sexuality, and religion. I am often drawn to address topics that go beyond the socio-political norms, opening unconventional possibilities and narratives as opposed to existing molds.
"
Mohamed Al-Bakeri on his film "
Between Men"
Mohamed Al-Bakeri is an Independent Artist based in Cairo, Egypt. He has a background in journalism as well as advertising and marketing. In his artistic practice he is experimenting with mediums like Photography, Printing and Video, pushing preconceived socio-cultural norms and opening unconventional possibilities by creating multiple visual languages. His work aims to bring different audiences close to the experience of physical interaction, by relating to sensations that are not always visual.
And here is an interview we did with Mohamed Al-Bakeri, where he is giving great insght into how and why he developed "Between Men":
The artist’s statement on the intimacy of gestures:
The way men interact with each other is quite physically intimate. In Egypt, or in this part of the world in general, the way we greet each other, or the way we even express anger/excitement is all intimate.
For instance, if two men are sitting next to one another in a cafe, and one attempts to grab the other’s attention, he would put his hand on the other’s knee. Doing this gesture very strongly and forcefully is different than doing it softly and calmly. Such small tweaks play a huge role in how the gesture is being perceived.
On one hand, I try to be as honest to the gesture as I can, by extracting it exactly as it is usually performed. On the other hand, I might take the freedom to change its pace. Is it performed fast or slow? And what happens if I vary the intensity or force of the gesture? I consider such interpretations as my tools because those are the elements that I believe would change the meaning and the perspective of how the gesture is being perceived.
About the intense use of hand gestures:
I do not exactly know why we are overly performative when it comes to using our hands whilst communicating. I however know that our hands are the perfect tool to show different emotions. To show care or anger. To appear superior and confident versus small and obedient, or defensive.
The way you shake somebody's hand, the way you approach someone; the seconds before you hold the hand of a beloved person, or the seconds before and after you bump into an acquaintance on the streets – I usually tend to observe and look closely into things like that.
Performing in a loop with repeated gestures:
In a way, I see repetition as I see silence. Because both make you think.
When you are, let’s say, mid-conversation with someone and you go completely silent, no longer reflecting or responding to a comment or an idea the other person is expressing – this is when you are creating a void, which forces the other person to rethink his perception.
With repetition, normally you take the first thing you see at face value; the way you look at it, and the way your brain is used to perceive it. However, when this gesture is repeated over and over again, you force yourself – and you force the viewer – to think about the reason behind it. Why is it being repeated? Is there a difference in the iteration of the gesture every time it loops? Such modifications – and this is what I usually do in the performance – lead to a change in perception. It is the buildup of the choreography that matters.
When it comes to the beginning and end of the performance, I think my choice and my purpose was to create some sort of a loop or some sort of a consistent visual, that feels like being in a space beyond time.
Puzzling together the choreography:
When developing the choreography, I decided to take each gesture and work on it separately, really delving into how it is performed. For example, take the hugs. Some men hug with one arm on the shoulder and the other around the waist; others hug with both arms around the shoulder. There are many different versions and ways of how people hug. From that, I created my personal visual library, like a book of gestures, as if you read a manual of how to assemble something.
That’s how the choreography came together. I took each gesture at a time, dismantled it, studied the different iterations of how it is performed, and then I basically started to unpuzzle them: Which gesture I want to start with, which one I want to use at the end? How will the gesture evolve throughout the choreography? And what are the possible iterations and shapes for each gesture?
About the set design, delivery and performance:
Playing with repetitions and constantly modified gestures – that is one thing. The other part was the choices in set design and acting/delivery. The aesthetic, the conceptual choices; the space, the wardrobe, and the age of the performers. I wanted the space to be neutral, in order not to mimic a specific place, like a cafe or a street. It is a room with white walls and a wooden floor; no further weight to it, and more importantly no unnecessary layers to it.
The performers are wearing an outfit that anyone could wear, regardless of where they come from, their social class, or their educational level.
For me, the performers were solely the vessel that communicates the choreography. That is why there are no facial expressions and consistent performance that does not add dramatic weight to the performance. It is merely a loop that starts the same way it ends.
On his biography:
I think what connects to my own biography is the performative aspect of my work. Growing up, I felt like I needed to perform ‘masculinity’, and sometimes ‘dominance’ or even ‘indifference’ when I didn’t feel indifferent. Or even by showing interest in other people or interest in things that I wasn’t really interested in. This kind of pressure to physically and emotionally perform in order to put out a false front to how I come across as a person is what may have influenced me a lot. It was the physical labor to use my body to speak or act in a certain way to send a tailored message, is what I think has brought me to this area of work.
On how social distancing is having an influence on his art projects:
It is obvious that at the moment, working on a performance involving a large number of people is almost impossible. It is also difficult to find the same places with human congestion and physical proximity as I used to before the pandemic. What I can say is that seeing the work now triggers a personal feeling of longing for human interaction and intimacy, which is not really an option right now, both professionally and personally.
About if Between Men could evolve to a life performance involving more performers:
The short answer would be yes. It is very much doable and was going to happen in a way or another. The research in which “Between Men” came out, is a space with the potential to grow further, which means it can manifest in more than one way besides the video. This is unfortunately on hold right now until the world reaches a better place. However, the pandemic forced me to push myself, and look at my findings from a wider perspective and seek possibilities and narratives that were not on my radar. It is quite challenging, but I believe it took shape in new forms and works which I am very excited about.
Feel free to contact Mohamed Al-Bakeri: via Email
"My video work “Between Men” looks into the social politics and performances of everyday gestures between men in male dominated spaces, specifically in the body language that is generated within, in relation to society, politics, sexuality, and religion. I am often drawn to address topics that go beyond the socio-political norms, opening unconventional possibilities and narratives as opposed to existing molds.
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Mohamed Al-Bakeri on his film "
Between Men"
Mohamed Al-Bakeri is an Independent Artist based in Cairo, Egypt. He has a background in journalism as well as advertising and marketing. In his artistic practice he is experimenting with mediums like Photography, Printing and Video, pushing preconceived socio-cultural norms and opening unconventional possibilities by creating multiple visual languages. His work aims to bring different audiences close to the experience of physical interaction, by relating to sensations that are not always visual.
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An excerpt of the film shown in Cologne can be viewed here
Discover more on Labkhand Olfatmanesh on her website
In advance of the screening in Cologne we had the chance to talk to Labkhand Olfatmanesh about the making of Baby Maybe, her self-conception as an artist within two cultures and how her work is related to a feminist position as well as to art as a healing process.
Please enjoy the full interview:
Labkhand Olfatmanesh is a multidisciplinary artist examining topics of feminism, race and isolation. Her works explore how these forces take dual shape as an immigrant to the United States and in her home country of Iran. Her recent photo and video work has been exhibited in group and solo exhibitions in various locations in the U.K., France, USA and Brazil. Being part of the InViews-series is Olfatmanesh's first appearance to a German audience.
See the artist talking about "Baby Maybe" in this video interview
How is your biography involved in your work?
The duality of my identity as Iranian and my life as an immigrant in the US, my feminist position – all these things effect my work as an multidisciplinary artist. My upbringing, my childhood during the Iranian Revolution, witnessing the war between Iran and Iraq, while my dad was serving in the war, and lots of experiences beeing a woman in this culture definately shaped my work.For example, beeing the first child I started wondering at some point why I was treated differently than my brother. I left Iran in 2003. Before living in the US, I have also worked three years in Cyprus.
In result the focus of my work lies on nationality, culture, gender, my own identity and history with the aim to connect people by my visual stories.I see all those themes through my lens and my practice as an immigrant artist. Identity, representation, role playing, gender and art as a healing were important parts in my life. My interest were also communication and the barriers to communication. Therefore I cross the cultures and the generations. I like to tell personal stories about these subjects and my relationship to gender between the two cultures, using healing methodologies to expand and examin the interplay between personal and social pressure, both confrontational and vulnarable at the same time. I use video, performance, installation and photography to create an intimicy about the psychology of gender in a fictionalized narrative with documentary techniques. My work intends to create a transitory bridge from one identity to another.
You have a background in fashion photography. How do you link that sterotype-based and standardized genre to your critical view towards feminist and racial aspects in your artwork?
My background isn’t rather photography, than graphic design with some experience in mixmedia and installation art. I did some photojournalism and editorial photography in Cyprus. At some point I got interested in fashion-photography and I played with that here and there. But I never put myself fully into it. It was a thing coming and going, me concidering it as some commercial work for a living.
As you mentioned, there were lots of contradictions and confrontations in my head. I got caught up a bit in that work. While I was working with models or beeing involved in the staging, questions came up on the meaning and relevance of beauty, the percept of the skinny white model. How you are brainwashed in fashion industry! You are kind of boxed in to those ideals. And you run the risk of forgetting all the other definitions of beauty.
What was your first intention to work on the matter of parenthood? What drove you to make the film 'Baby Maybe’?
The Baby Maybe project started in 2018. It’s an interactive project that explores the personal and complex stories of women and their relationship to parenthood across age and time. In the beginning, I wanted work about women and gender issues. Lots of issues about beeing a woman kept me occupied.
For example, there was a time in Iran that I didn’t even want to be a woman. I had lots of questions also concerning historical facts. Still today, beeing a woman is deeply connected to bearing and educating a child. Even decades after women’s liberation movement in the 60s this concept persists and has nothing to do with race, geography, ethnicity and religion. We are living in a modern time, but these issues are still existing. Many researchers write about this. I came across a book, which was saying that motherhood is defined by men but is experienced by women! And at this point I thought, wow, that is so true!I have a privileged background by attending art school becoming an artist at an early age; I tried to be different; rebelled and libereated myself towards my background. I was lucky to have that privilege to explore and to express my position. But many women don’t have this. That was a key to me because I thought, if you have this option to explore and to to talk about it, you should talk about it…
There is a quote from American feminist Gloria Steinem saying: “needing approval is a female cultural disease, and often a sign of doing the wrong thing“ and "as long as us females are valued only for our wombs, we will never be valued for our minds and hearts". These powerful thoughts really affected me. I felt this is an important topic, such a tabu, that I wanted to face it in an art project. Of course motherhood is great and powerful but at the same time it is draining and demanding. Not everyone is made for this. It’s a life long journey with huge responsibilities. Instead of talking the truth and revealing honest feelings and doubts about motherhood, we are just glorifying and projecting it according to traditional attributions.I have a dog, when I am taking care of my dog, it occurs to me that people draw the conclusion and say „oh you could be a great mother!". Amazing how they basically try to put you into that frame. Your value is just based on becoming a mother. You have a different place in a family or in a society. You are seen more wise, more caring and dedicated. These complex feeling and attitudes around motherhood were my inspiration.
At this time I was questioning myself: Am I really truly feeling comfortable being childless or not? Why is it such a hard thing to even think about it?I felt I needed to do something out there, creating a very confrontational scenario taking these babies out to the street or places and situations where people don’t want to see a baby or couldn’t provide to get in touch with them.
That was my way of putting people in a situation of pressure – like the way I felt for years considering the ongoing question of becomming a mother or not. These real looking baby dolls worked as a demand to get active in some way, a challange to question oneself: Ok, you want a baby? Is this what you wanted? Where are these babies supposed to go? Is it the society, who is responsible for that pressure? Is this really helpful for women? This setting put me in a position to have a dialogue with people, either positive or negative. They connectet with me and it was a kind of a process for myself and also in understanding different people, from different cultural backgrounds and how they react.
In conclusion, do you think the society sees men differently and more as individuas than woman? And is a mother more valued than a childless woman?
Oh yes, absolutely. There is a book, which I love: “The Female Assumption” by Melanie Homles. She writes exactly about that. If you are a man, who maybe likes to dedicate his life to research or writing instead of having a child, everybody just claps for that man and says he devotes his life for that. But if a woman does the same thing, everybody, including the closed ones like familiy, would ask what is wrong with that woman? Isn’t she missing something? They would stick on you all those possible labels that something is wrong with you. It’s very hard to detach yourself from all those things, which you are taught from young age on. That’s why you do all those things to become a good mother and raise kids. You are just somehow programmed, or put into that frame that motherhood is a biological determination needed by every woman. Even in the US, society generally supports that idea of woman. Imagine there are states in the US where women are fighting for abortion rights. They shut down abortion clinics in Texas for example. In plenty of states polititians try in return to pass laws just to make it harder for women.
How did you start with Baby Maybe? What kind of approach did you choose? Was it more performance-based or was it planed as a film in the first place?
Actually Baby Maybe started with photography. It started with the idea of showing scenes about sexual assault. For some reason I had the idea using dolls, not the baby dolls, just dolls. So I went to a store for finding dolls and I saw these baby dolls. I gravitated to them. I thought “Oh my God they look so real” They instantly brought me to my questions and concerns, like motherhood. That was the moment I thought actually that I want to explore this issue. Right away I bought a couple of those baby dolls and went around with them to different places. It was a kind of performance, producing reactions and getting into conversation with people.
Every time I put the babies in unconventional places like stairs, on the top of trash bin, people looked at me and at the babies and they asked me questions. Very interesting questions! I wish I could have set up cameras or body cameras to capture their surprised faces or their voices. Each person from her/his point of view said something and they were very curious what my intention was! Some people got angry and I felt better not to say what I was up to. Sometimes I didn’t feel even safe, because you don’t know how people react to certain things. I just said it’s an art project.
When I started working with these baby dolls, I had to travel for an exhibition project to Japan and England. So I took it as a chance to take the dolls with me! It was an opportunity to try my baby interventions in different cultures, places and settings.
I took three babies with me. I chose different skin colors, a diverse group of babies. I didn’t want just to stick to one type. I traveled to Japan, Morocco, UK, Cyprus and of course later to several places in the US.
I experienced different reactions, of course. Something remarkable happened for example in Morocco, when I went to a kind of bazar for fruits and had all these babies with me. I put these naked babydolls on the middle of the road and started to take pictures with the bazar in the background. Some women from the bazar yelled at me or called me in Arabic or French but I couldn’t understand, what they were saying. All of sudden one of the women came over and grabbed one baby from my hand. I thought, what is happening here? I was wearing a shawl and she took it and wrapped up the baby in my shawl. Basically she didn’t want the babies to be naked. (laughing). It was an interesting interaction.
Was she aggressive or was she sad?
No, I think she was concerned and she was even laughing. I think it was a combination of both. Like please don’t do that. She was friendly. I think it might be interesting for you to know that I didn’t want my work to become kitschy by using dolls. But I realized how well it worked using them as a medium. It’s about the uncanny. The realness of their appearance provoques an instant connection with these dolls. By looking so real, they trigger your emotions; you really feel some attachment to them. Either you want to be close to them or immediately it works in the opposite way! That moment of reaction is very inspiring for me! The shocking moment for some people, who want to be away from the scene in spite of all curiosity they have! Or vice versa!They want to touch it, hold it.
During my photography exploration I was doing some portraits. I asked people if they want to participate in my project and hold the baby for a picture. It was so interesting to capture the way they were holding the baby dolls – there was a wide range of emotion and psychology behind it! There were people, who kept the baby with distance to their body. There were people who even tried to smell the baby. It was amazing!I am so happy to have achieved those experiences (laughing). Now we are in Covid-Era. I don’t know, when I will be able to go out with these babies again to let people touch them and interact with them and photograph them. Probably it isn’t happening that soon.
In 2018 you started the project. So when did you start making the film?
The idea with film came almost after a year of working on the photograhical explorartion. I thought about pregnancy. So all those plastic bags came into my mind reminding of a womb. The association of carrying a gold fish like something precious (the gold fish is bought in plastic bags as symbol for renewal for the persian new years celebrations Nouruz). The symbol of water and even the plastic bags, as a symbol of environmental issue, several things ran through my mind. Of course visual aspects were important, too.So putting and carrying the babies in the plastic bags brought another layer to the work. Maybe it creates a more dramatic and gloomy feeling.
In the film, you hardly see the person, who is carrying the bags. Maybe just in very short parts. But the focus is on movement and exchange. There are many exchanges that are happening during the film. It automatically appears transactional. And you see different kind of people or characters, female and male. I wanted to mix them.
There are some scenes in which the characters are pulling the baby bags or they throw them on the floor, so the bags tear and all the water and the baby came out. During the shooting I realized, how people got upset, while watching these scenes!
Was it hard to find people to participate in your film?
Getting people on board around this subject was difficult, because they could be hesitant or they could be childless for example. Even if they are open-minded about this project, the idea of participating themselves turned out to be difficult for people. Even those people, I thought they could easily participate in my project, refused because they definitely felt uncomfortable. But I also had people, who comitted to it easily. There were both kinds of people.
I shoot the film in downtown LA. So I was worried about people around us becoming upset. Beeing a big crew of engaged people at the set made it easier than being alone. Nothing happened except this one security man, who reproachfully asked us, why are these babies in water and plastic bags; these babies could be chocked! He was treating them like real babies! (laughing)
Here is another funny story: We, the crew, were going to have lunch. There was a Armenian guy in that Pizza place. I wanted to fill the bags with water for the next shooting after the lunch break. I just handed the bags to him and asked: “Could you please add some water in these bags?” His reaction was so neutral, as if there were nothing inside the bags. Anyway, I got all these different reactions.
Can you give us some more information about the babies? How many are they? Do they have names? What about those ones, you took with you on trips to several countries?
They are 60 dolls. But no, I don’t want to name them. Even those I took to England, Japan and Marocco still don’t have any name. Without names the baby dolls could act like a placeholder. In a way I wanted to leave it open, so they easly could change names or attributions. By the way, even as a kid I didn’t give any name to my dolls. That’s interesting. Isn’t it?
Which colors do the babies have? How do they look? Can I see them?
One baby doll looks like it’s crying. It’s a baby of color. There’s another one that has a sneaky look. I love it very much (laughing). Some of them are very similar and some of them differ a little bit. The expensive ones look more real. The cheaper one’s proportions are bigger and don’t really look like new born babies. But the other ones look almost alive, like new born babies. The manufacturer offers two or three looks. And basically they come in two colors. But I tried to find other skin colors, like a bit more pinkish or more beige. The brown ones don’t have much variety.
Did you find them on the Internet?
No! It was in a store, which was bankrupt and was going to be closed. I was looking for dolls. There are interesting stories about such baby dolls. For example, I read in an article, that if people have Alzheimer, these baby dolls help them a lot with the memory! There is also a community of emotionally traumatized people, who lost their baby or remained childless, assuming lots of complex things behind it. So there are customized dolls, which are very expensive, like 5000 $ each, they look so real! Those 'babies’ act as a living doll, staying with them. They take them out with themselves! I saw a documentary about that! I didn’t know anything about it. It’s another world!
I myself went through this exploration as a process of self awareness.You find yourself definitly on the other side of the coin, like an alter ego. Talking about pregnant women, emphasize with the babies, or thinking about the mother, who put her baby in a plastic bag and abandon it because she doesn`t feel capable to take care of it, because of beeing homeless for exemple. Or a baby whose parents aren’t able to nurse a child because they don’t have enough resources. So you come to that point that you ask yourself in conclusion, is this why you have to come to this world? Carrying all this pressure and guilt? This is another side of the coin, which ran through my head.
Did you hand over the dolls to people or did they just took them themselves?
Oh, that was another very interesting experience! First of all, as I was photographing the babies on the street, some people asked me if they could have them. But beside that, in the first show, I created an installation and the screened film was part of it. Before people entered to the show these 60 babies were handed to them by me and a few other people, who were collaborating with me. We wore a white nurse or doctor suit or jacket to achieve a certain feeling. And two signs were placed in the beginning and at the end of the show saying „Baby Pick-up" and „Baby Return“. The babies were in kind of a bin bag. People had the choice to have one of them and walk around to see the show and watch the film. I was of course documenting it. The visitors were supposed to return the babies at the end, leave their emotion behind and go.
But at the end of the show a friend, not a close friend, sent me a message with one of the babies sitting on the back seat with a seatbelt! I was wondering who this person is and what this was about? He started sending messages saying he would keep the baby safe! It was just fascinating, how he was connecting to that baby. Later he said, he had even taken it to his work!One interesting part is that this person wasn’t interested in my project in the first place, while I was shooting the film. But after coming to the show, he went through the whole process. He watched the film 2 or 3 times while holding a baby and at the end he took that baby with him!I remember me saying something funny like “as far as you are taking care of that baby, you can keep it with you” (laughing).
During the show some men asked me, if I am planning to do some work about fatherhood, too! It was interesting for those men to talk and think about it. That was empowering me!
You mentioned there was a QR code on the babies. Was the QR code designed for this particular show or did you use it from the beginning?
The QR codes were designed for all these babies. The idea was to enable a link to an inner dialogue of those babies. I thought this would let people have a more intimate connection to the babies. Few of them are in Farsi. A funny thing that happend was, although people took the babies randomly, the Persian quests took the Farsi ones! I love those surprising moments.
Some example for QR: “If I wasn’t born, would I be better off?” “Why mama looks so scared?” or “I don’t hear your heartbeat! Put me closer.”
In this way there was a given opportunity to bond more. In a way I created a further momentum to either feel attached or detached! Simular to the process of decision making while going through different emotional states – for instance like woman asking herself “I have to, but I can’t”.
Who expressed these inner monologues ?
I asked friends around to write about their baby inner monologue.They should imagine beeing a baby. What would they think, what would they like to ask or express?
What does art mean to you?
I think, I am one of those good examples that take refuge in art. Art means a comfort place to me. I find a healing in art; and I find a different way of connecting with people. As a child I had lots of communication issues; to connect with my family or people around me. So I think art helps me a lot in finding a way of communicating.
The meaning of art as a healing therapy?
Totally! And it’s beyond! I think art is an excuse for that healing by putting your voice out and finding a different way to express. I think through art it is easier for me to show vulnerability. I feel comfortable, when it comes to a process within my art projects, because I find myself in lots of vulnerable situations and I have to find a comfort within that. I don’t fell like a victim, instead I am empowered and I can use it to show what occupies me. Maybe that story is resident with others, maybe somebody has a story to add to mine or maybe there will be an inspiration there. It is good for me to put myself out in public with my art.
"Through my work I tell intensely personal and intermingled stories about my subjects myself and my relationship to identity, both in Iran and in the United States. This is a healing methodology expanding from the nature of constriction and expectation in order to mold it towards confrontational vulnerability where I can move beyond identity into larger themes within my practice." Artist Statement by Labkhand Olfatmanesh
"Baby Maybe" is an experimental short that explores the personal and complex stories of women and their relationship to parenting across age and time. The filmmaker Labhkand Olfatmanesh captures the raw human emotion generated by the experiences of people interacting with 'real-life' dolls. With this, Olfatmanesh is finding a way to point the viewer towards love and self-realization.
Labkhand Olfatmanesh is a multidisciplinary artist examining topics of feminism, race and isolation. Her works explore how these forces take dual shape as an immigrant to the United States and in her home country of Iran. Her recent photo and video work has been exhibited in group and solo exhibitions in various locations in the U.K., France, USA and Brazil. Being part of the InViews-series is Olfatmanesh's first appearance to a German audience.
In advance of the screening in Cologne we had the chance to talk to Labkhand Olfatmanesh about the making of Baby Maybe, her self-conception as an artist within two cultures and how her work is related to a feminist position as well as to art as a healing process.Please enjoy the full interview:
"Through my work I tell intensely personal and intermingled stories about my subjects myself and my relationship to identity, both in Iran and in the United States. This is a healing methodology expanding from the nature of constriction and expectation in order to mold it towards confrontational vulnerability where I can move beyond identity into larger themes within my practice." Artist Statement by Labkhand Olfatmanesh
"Baby Maybe" is an experimental short that explores the personal and complex stories of women and their relationship to parenting across age and time. The filmmaker Labhkand Olfatmanesh captures the raw human emotion generated by the experiences of people interacting with 'real-life' dolls. With this, Olfatmanesh is finding a way to point the viewer towards love and self-realization.
How is your biography involved in your work?
The duality of my identity as Iranian and my life as an immigrant in the US, my feminist position – all these things effect my work as an multidisciplinary artist. My upbringing, my childhood during the Iranian Revolution, witnessing the war between Iran and Iraq, while my dad was serving in the war, and lots of experiences beeing a woman in this culture definately shaped my work.For example, beeing the first child I started wondering at some point why I was treated differently than my brother. I left Iran in 2003. Before living in the US, I have also worked three years in Cyprus.
In result the focus of my work lies on nationality, culture, gender, my own identity and history with the aim to connect people by my visual stories.I see all those themes through my lens and my practice as an immigrant artist. Identity, representation, role playing, gender and art as a healing were important parts in my life. My interest were also communication and the barriers to communication. Therefore I cross the cultures and the generations. I like to tell personal stories about these subjects and my relationship to gender between the two cultures, using healing methodologies to expand and examin the interplay between personal and social pressure, both confrontational and vulnarable at the same time. I use video, performance, installation and photography to create an intimicy about the psychology of gender in a fictionalized narrative with documentary techniques. My work intends to create a transitory bridge from one identity to another.
You have a background in fashion photography. How do you link that sterotype-based and standardized genre to your critical view towards feminist and racial aspects in your artwork?
My background isn’t rather photography, than graphic design with some experience in mixmedia and installation art. I did some photojournalism and editorial photography in Cyprus. At some point I got interested in fashion-photography and I played with that here and there. But I never put myself fully into it. It was a thing coming and going, me concidering it as some commercial work for a living.
As you mentioned, there were lots of contradictions and confrontations in my head. I got caught up a bit in that work. While I was working with models or beeing involved in the staging, questions came up on the meaning and relevance of beauty, the percept of the skinny white model. How you are brainwashed in fashion industry! You are kind of boxed in to those ideals. And you run the risk of forgetting all the other definitions of beauty.
What was your first intention to work on the matter of parenthood? What drove you to make the film 'Baby Maybe’?
The Baby Maybe project started in 2018. It’s an interactive project that explores the personal and complex stories of women and their relationship to parenthood across age and time. In the beginning, I wanted work about women and gender issues. Lots of issues about beeing a woman kept me occupied.
For example, there was a time in Iran that I didn’t even want to be a woman. I had lots of questions also concerning historical facts. Still today, beeing a woman is deeply connected to bearing and educating a child. Even decades after women’s liberation movement in the 60s this concept persists and has nothing to do with race, geography, ethnicity and religion. We are living in a modern time, but these issues are still existing. Many researchers write about this. I came across a book, which was saying that motherhood is defined by men but is experienced by women! And at this point I thought, wow, that is so true!I have a privileged background by attending art school becoming an artist at an early age; I tried to be different; rebelled and libereated myself towards my background. I was lucky to have that privilege to explore and to express my position. But many women don’t have this. That was a key to me because I thought, if you have this option to explore and to to talk about it, you should talk about it…
There is a quote from American feminist Gloria Steinem saying: “needing approval is a female cultural disease, and often a sign of doing the wrong thing“ and "as long as us females are valued only for our wombs, we will never be valued for our minds and hearts". These powerful thoughts really affected me. I felt this is an important topic, such a tabu, that I wanted to face it in an art project. Of course motherhood is great and powerful but at the same time it is draining and demanding. Not everyone is made for this. It’s a life long journey with huge responsibilities. Instead of talking the truth and revealing honest feelings and doubts about motherhood, we are just glorifying and projecting it according to traditional attributions.I have a dog, when I am taking care of my dog, it occurs to me that people draw the conclusion and say „oh you could be a great mother!". Amazing how they basically try to put you into that frame. Your value is just based on becoming a mother. You have a different place in a family or in a society. You are seen more wise, more caring and dedicated. These complex feeling and attitudes around motherhood were my inspiration.
At this time I was questioning myself: Am I really truly feeling comfortable being childless or not? Why is it such a hard thing to even think about it?I felt I needed to do something out there, creating a very confrontational scenario taking these babies out to the street or places and situations where people don’t want to see a baby or couldn’t provide to get in touch with them.
That was my way of putting people in a situation of pressure – like the way I felt for years considering the ongoing question of becomming a mother or not. These real looking baby dolls worked as a demand to get active in some way, a challange to question oneself: Ok, you want a baby? Is this what you wanted? Where are these babies supposed to go? Is it the society, who is responsible for that pressure? Is this really helpful for women? This setting put me in a position to have a dialogue with people, either positive or negative. They connectet with me and it was a kind of a process for myself and also in understanding different people, from different cultural backgrounds and how they react.
In conclusion, do you think the society sees men differently and more as individuas than woman? And is a mother more valued than a childless woman?
Oh yes, absolutely. There is a book, which I love: “The Female Assumption” by Melanie Homles. She writes exactly about that. If you are a man, who maybe likes to dedicate his life to research or writing instead of having a child, everybody just claps for that man and says he devotes his life for that. But if a woman does the same thing, everybody, including the closed ones like familiy, would ask what is wrong with that woman? Isn’t she missing something? They would stick on you all those possible labels that something is wrong with you. It’s very hard to detach yourself from all those things, which you are taught from young age on. That’s why you do all those things to become a good mother and raise kids. You are just somehow programmed, or put into that frame that motherhood is a biological determination needed by every woman. Even in the US, society generally supports that idea of woman. Imagine there are states in the US where women are fighting for abortion rights. They shut down abortion clinics in Texas for example. In plenty of states polititians try in return to pass laws just to make it harder for women.
How did you start with Baby Maybe? What kind of approach did you choose? Was it more performance-based or was it planed as a film in the first place?
Actually Baby Maybe started with photography. It started with the idea of showing scenes about sexual assault. For some reason I had the idea using dolls, not the baby dolls, just dolls. So I went to a store for finding dolls and I saw these baby dolls. I gravitated to them. I thought “Oh my God they look so real” They instantly brought me to my questions and concerns, like motherhood. That was the moment I thought actually that I want to explore this issue. Right away I bought a couple of those baby dolls and went around with them to different places. It was a kind of performance, producing reactions and getting into conversation with people.
Every time I put the babies in unconventional places like stairs, on the top of trash bin, people looked at me and at the babies and they asked me questions. Very interesting questions! I wish I could have set up cameras or body cameras to capture their surprised faces or their voices. Each person from her/his point of view said something and they were very curious what my intention was! Some people got angry and I felt better not to say what I was up to. Sometimes I didn’t feel even safe, because you don’t know how people react to certain things. I just said it’s an art project.
When I started working with these baby dolls, I had to travel for an exhibition project to Japan and England. So I took it as a chance to take the dolls with me! It was an opportunity to try my baby interventions in different cultures, places and settings.
I took three babies with me. I chose different skin colors, a diverse group of babies. I didn’t want just to stick to one type. I traveled to Japan, Morocco, UK, Cyprus and of course later to several places in the US.
I experienced different reactions, of course. Something remarkable happened for example in Morocco, when I went to a kind of bazar for fruits and had all these babies with me. I put these naked babydolls on the middle of the road and started to take pictures with the bazar in the background. Some women from the bazar yelled at me or called me in Arabic or French but I couldn’t understand, what they were saying. All of sudden one of the women came over and grabbed one baby from my hand. I thought, what is happening here? I was wearing a shawl and she took it and wrapped up the baby in my shawl. Basically she didn’t want the babies to be naked. (laughing). It was an interesting interaction.
Was she aggressive or was she sad?
No, I think she was concerned and she was even laughing. I think it was a combination of both. Like please don’t do that. She was friendly. I think it might be interesting for you to know that I didn’t want my work to become kitschy by using dolls. But I realized how well it worked using them as a medium. It’s about the uncanny. The realness of their appearance provoques an instant connection with these dolls. By looking so real, they trigger your emotions; you really feel some attachment to them. Either you want to be close to them or immediately it works in the opposite way! That moment of reaction is very inspiring for me! The shocking moment for some people, who want to be away from the scene in spite of all curiosity they have! Or vice versa!They want to touch it, hold it.
During my photography exploration I was doing some portraits. I asked people if they want to participate in my project and hold the baby for a picture. It was so interesting to capture the way they were holding the baby dolls – there was a wide range of emotion and psychology behind it! There were people, who kept the baby with distance to their body. There were people who even tried to smell the baby. It was amazing!I am so happy to have achieved those experiences (laughing). Now we are in Covid-Era. I don’t know, when I will be able to go out with these babies again to let people touch them and interact with them and photograph them. Probably it isn’t happening that soon.
In 2018 you started the project. So when did you start making the film?
The idea with film came almost after a year of working on the photograhical explorartion. I thought about pregnancy. So all those plastic bags came into my mind reminding of a womb. The association of carrying a gold fish like something precious (the gold fish is bought in plastic bags as symbol for renewal for the persian new years celebrations Nouruz). The symbol of water and even the plastic bags, as a symbol of environmental issue, several things ran through my mind. Of course visual aspects were important, too.So putting and carrying the babies in the plastic bags brought another layer to the work. Maybe it creates a more dramatic and gloomy feeling.
In the film, you hardly see the person, who is carrying the bags. Maybe just in very short parts. But the focus is on movement and exchange. There are many exchanges that are happening during the film. It automatically appears transactional. And you see different kind of people or characters, female and male. I wanted to mix them.
There are some scenes in which the characters are pulling the baby bags or they throw them on the floor, so the bags tear and all the water and the baby came out. During the shooting I realized, how people got upset, while watching these scenes!
Was it hard to find people to participate in your film?
Getting people on board around this subject was difficult, because they could be hesitant or they could be childless for example. Even if they are open-minded about this project, the idea of participating themselves turned out to be difficult for people. Even those people, I thought they could easily participate in my project, refused because they definitely felt uncomfortable. But I also had people, who comitted to it easily. There were both kinds of people.
I shoot the film in downtown LA. So I was worried about people around us becoming upset. Beeing a big crew of engaged people at the set made it easier than being alone. Nothing happened except this one security man, who reproachfully asked us, why are these babies in water and plastic bags; these babies could be chocked! He was treating them like real babies! (laughing)
Here is another funny story: We, the crew, were going to have lunch. There was a Armenian guy in that Pizza place. I wanted to fill the bags with water for the next shooting after the lunch break. I just handed the bags to him and asked: “Could you please add some water in these bags?” His reaction was so neutral, as if there were nothing inside the bags. Anyway, I got all these different reactions.
Can you give us some more information about the babies? How many are they? Do they have names? What about those ones, you took with you on trips to several countries?
They are 60 dolls. But no, I don’t want to name them. Even those I took to England, Japan and Marocco still don’t have any name. Without names the baby dolls could act like a placeholder. In a way I wanted to leave it open, so they easly could change names or attributions. By the way, even as a kid I didn’t give any name to my dolls. That’s interesting. Isn’t it?
Which colors do the babies have? How do they look? Can I see them?
One baby doll looks like it’s crying. It’s a baby of color. There’s another one that has a sneaky look. I love it very much (laughing). Some of them are very similar and some of them differ a little bit. The expensive ones look more real. The cheaper one’s proportions are bigger and don’t really look like new born babies. But the other ones look almost alive, like new born babies. The manufacturer offers two or three looks. And basically they come in two colors. But I tried to find other skin colors, like a bit more pinkish or more beige. The brown ones don’t have much variety.
Did you find them on the Internet?
No! It was in a store, which was bankrupt and was going to be closed. I was looking for dolls. There are interesting stories about such baby dolls. For example, I read in an article, that if people have Alzheimer, these baby dolls help them a lot with the memory! There is also a community of emotionally traumatized people, who lost their baby or remained childless, assuming lots of complex things behind it. So there are customized dolls, which are very expensive, like 5000 $ each, they look so real! Those 'babies’ act as a living doll, staying with them. They take them out with themselves! I saw a documentary about that! I didn’t know anything about it. It’s another world!
I myself went through this exploration as a process of self awareness.You find yourself definitly on the other side of the coin, like an alter ego. Talking about pregnant women, emphasize with the babies, or thinking about the mother, who put her baby in a plastic bag and abandon it because she doesn`t feel capable to take care of it, because of beeing homeless for exemple. Or a baby whose parents aren’t able to nurse a child because they don’t have enough resources. So you come to that point that you ask yourself in conclusion, is this why you have to come to this world? Carrying all this pressure and guilt? This is another side of the coin, which ran through my head.
Did you hand over the dolls to people or did they just took them themselves?
Oh, that was another very interesting experience! First of all, as I was photographing the babies on the street, some people asked me if they could have them. But beside that, in the first show, I created an installation and the screened film was part of it. Before people entered to the show these 60 babies were handed to them by me and a few other people, who were collaborating with me. We wore a white nurse or doctor suit or jacket to achieve a certain feeling. And two signs were placed in the beginning and at the end of the show saying „Baby Pick-up" and „Baby Return“. The babies were in kind of a bin bag. People had the choice to have one of them and walk around to see the show and watch the film. I was of course documenting it. The visitors were supposed to return the babies at the end, leave their emotion behind and go.
But at the end of the show a friend, not a close friend, sent me a message with one of the babies sitting on the back seat with a seatbelt! I was wondering who this person is and what this was about? He started sending messages saying he would keep the baby safe! It was just fascinating, how he was connecting to that baby. Later he said, he had even taken it to his work!One interesting part is that this person wasn’t interested in my project in the first place, while I was shooting the film. But after coming to the show, he went through the whole process. He watched the film 2 or 3 times while holding a baby and at the end he took that baby with him!I remember me saying something funny like “as far as you are taking care of that baby, you can keep it with you” (laughing).
During the show some men asked me, if I am planning to do some work about fatherhood, too! It was interesting for those men to talk and think about it. That was empowering me!
You mentioned there was a QR code on the babies. Was the QR code designed for this particular show or did you use it from the beginning?
The QR codes were designed for all these babies. The idea was to enable a link to an inner dialogue of those babies. I thought this would let people have a more intimate connection to the babies. Few of them are in Farsi. A funny thing that happend was, although people took the babies randomly, the Persian quests took the Farsi ones! I love those surprising moments.
Some example for QR: “If I wasn’t born, would I be better off?” “Why mama looks so scared?” or “I don’t hear your heartbeat! Put me closer.”
In this way there was a given opportunity to bond more. In a way I created a further momentum to either feel attached or detached! Simular to the process of decision making while going through different emotional states – for instance like woman asking herself “I have to, but I can’t”.
Who expressed these inner monologues ?
I asked friends around to write about their baby inner monologue.They should imagine beeing a baby. What would they think, what would they like to ask or express?
What does art mean to you?
I think, I am one of those good examples that take refuge in art. Art means a comfort place to me. I find a healing in art; and I find a different way of connecting with people. As a child I had lots of communication issues; to connect with my family or people around me. So I think art helps me a lot in finding a way of communicating.
The meaning of art as a healing therapy?
Totally! And it’s beyond! I think art is an excuse for that healing by putting your voice out and finding a different way to express. I think through art it is easier for me to show vulnerability. I feel comfortable, when it comes to a process within my art projects, because I find myself in lots of vulnerable situations and I have to find a comfort within that. I don’t fell like a victim, instead I am empowered and I can use it to show what occupies me. Maybe that story is resident with others, maybe somebody has a story to add to mine or maybe there will be an inspiration there. It is good for me to put myself out in public with my art.
Und hier ist ein Interview, das wir mit der Künstlerin über die Entstehung von "How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover" geführt haben:
Du stammst aus Marokko – wie kamst du auf die Idee für eine Video-Performance über die Notizen auf ägyptischen Geldscheinen?
Während meines einjährigen Aufenthalts in Ägypten in den Jahren 2018-2019 habe ich verschiedene Projekte entwickelt und eines davon ist "How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover". Ich habe diese Video-Performance als Reaktion darauf erarbeitet, dass die ägyptische Zentralbank den Umlauf von Geldscheinen verboten hat, die Schriftzüge, Siegel oder grafische Zeichen und Slogans tragen, so dass diese in Banken nicht mehr akzeptiert werden. Hiermit sollte den Bürgern die Möglichkeit genommen werden, vor dem Hintergrund der schwierigen innenpolitischen Situation Ägyptens Widerstandsfähigkeit und Solidarität zu manifestieren.Ich wurde auch von vielen ägyptischen Artikeln inspiriert, die nach dem Verbot herauskamen und verschiedene Möglichkeiten thematisierten, wie man die Handschrift von den Geldscheinen entfernen kann. Ich entschied mich, diese Schritte zur Reinigung nachzuvollziehen, wobei jeder einzelne der Scheine beschädigt und am Ende zerfetzt zurück blieb, so dass die eigentliche Funktion und insbesondere der Wert verloren ging.
Schreiben die Leute auch in Marokko Phrasen auf Geldscheine? Wenn ja, hast du irgendwelche Unterschiede zu den ägyptischen Phrasen festgestellt?
Bei meiner Ankunft in Ägypten war eines der Dinge, die meine Aufmerksamkeit erregten, die Schriften, Phrasen und Siegel auf den Geldscheinen. Die Menschen dort verwenden diese handschriftlichen Notizen zum Festhalten besonderer Momente, z. B. einem Geburtstag oder Glückwünsche für eine Person, Liebessprüche oder ein Souvenir. Im Gegensatz dazu verbietet das marokkanische Strafgesetzbuch die vorsätzliche Verwendung eines Geldscheins oder einer Münze als Medium für eine Nachricht oder eine Werbung; ganz grundsätzlich ist jegliches Schreiben darauf untersagt.
Was haben die folgenden Dualitäten aus deiner Sicht mit den Schriftsätzen auf den Geldscheinen zu tun: Öffentlicher und privater Raum; das Individuum und die Gemeinschaft; Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit; Zugehörigkeit und Abwesenheit?
Die handschriftlichen Statements fungieren als Ausdrucksform, als stille Demonstration, als Medium des Austauschs, das öffentlich und privat zirkuliert und über das Individuum hinausgeht.Der Akt des Verbots und des Entfernens der Schriften von Scheinen kann als eine Art der Auslöschung eines kollektiven Gedächtnisses gesehen werden, als Entfernung jener Identität, die eine Gemeinschaft prägt.
Auffälliger roter Nagellack! Was war der Gedanke dahinter?
Ich wollte den Betrachtenden ein kleines Symbol hinterlassen, damit sie sehen, wie der rote Nagellack, den ich trage, während der einstündigen Performance mit dem Nagellackentferner reagiert. Er nutzt sich an den Rändern langsam ab, während der Haufen der Geldscheine wächst und die Schriften verschwinden. Etwas an dieser Bildsprache finde ich auch etwas gruselig; die langsame und sich wiederholende Zerstörung der Geldscheine und die behutsame Handhabung der Scheine in einer Kulisse, die so ordentlich, fast chirurgisch wirkt.
Als multidisziplinäre Künstlerin verwendest du verschiedene Materialien und Methoden für die Herstellung deiner Werke. Woher stammt die Inspiration für deine Arbeit?
Meine Praxis wurde schon immer stark von meiner Umgebung, meinen Erfahrungen und Begegnungen beeinflusst. Die Wahl des Mediums erfolgt dabei sehr intuitiv, in dem Sinne, dass, wenn ich vollständig in einen bestimmten Kontext eintauche und mich darauf einlasse, es normalerweise einen Moment des Verständnisses gibt, der mir das geeignete Medium nahe legt.
Die Reihe
Weitere Info zu Soukaina Joual findest du auf ihrer Webseite
"Mit besten Grüßen", "Für ewig", "Herzlichen Glückwunsch", "In Liebe dein"…
Solche Grußworte finden sich auf Ägyptischen Geldscheinen wieder; handschriftlich notiert, um Momente besonderer Bedeutung zu verewigen. Es kann um Geburtstage gehen, um Mitbringsel oder um Bezeugungen von Liebenden. Diese Tradition griffen die Bürger Ägyptens auf, um in Zeiten zunehmender sozialer Spannungen Solidarität und Widerstandskraft zum Ausdruck zu bringen. Dies wurde im März 2019 unterbunden; seither werden beschriebene Banknoten auf Anordnung der Ägyptischen Zentralbank von Banken nicht mehr akzeptiert. Die Geldscheine sind wertlos geworden.
"How to remove writings from bills using nail polish remover” ist die Video-Dokumentation einer Performance von Soukaina Joual, bei der die Künstlerin einen einfachen repitativen Prozess wieder und immer wieder ausführt: die Geldscheine werden gereinigt, doch anstatt damit wieder zum Zahlungsmittel werden zu können, werden sie beschädigt und langsam zerstört; sie verlieren ihren Wert also vollends.
Soukaina Joual is eine Marokkanische multidisziplinäre Künstlerin, deren Performance-Kunst – live oder als Video-mitschnitt – bereits Teil zahlreicher Projekte und Aus-stellungen in Marokko, Deutschland, Frankreich, Japan, Süd Korea und Ägypten war.
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Die Filme und Künstler*innen
"Mit besten Grüßen", "Für ewig", "Herzlichen Glückwunsch", "In Liebe dein"…
Solche Grußworte finden sich auf Ägyptischen Geldscheinen wieder; handschriftlich notiert, um Momente besonderer Bedeutung zu verewigen. Es kann um Geburtstage gehen, um Mitbringsel oder um Bezeugungen von Liebenden. Diese Tradition griffen die Bürger Ägyptens auf, um in Zeiten zunehmender sozialer Spannungen Solidarität und Widerstandskraft zum Ausdruck zu bringen. Dies wurde im März 2019 unterbunden; seither werden beschriebene Banknoten auf Anordnung der Ägyptischen Zentralbank von Banken nicht mehr akzeptiert. Die Geldscheine sind wertlos geworden.
"How to remove writings from bills using nail polish remover” ist die Video-Dokumentation einer Performance von Soukaina Joual, bei der die Künstlerin einen einfachen repitativen Prozess wieder und immer wieder ausführt: die Geldscheine werden gereinigt, doch anstatt damit wieder zum Zahlungsmittel werden zu können, werden sie beschädigt und langsam zerstört; sie verlieren ihren Wert also vollends.
Soukaina Joual is eine Marokkanische multidisziplinäre Künstlerin, deren Performance-Kunst – als Live-Performance oder Videomitschnitt – bereits Teil zahlreicher Projekte und Ausstellungen in Marokko, Deutschland, Frankreich, Japan, Süd Korea und Ägypten war.
Und hier ist ein Interview, das wir mit der Künstlerin über die Entstehung von "How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover" geführt haben:
Du stammst aus Marokko – wie kamst du auf die Idee für eine Video-Performance über die Notizen auf ägyptischen Geldscheinen?
Während meines einjährigen Aufenthalts in Ägypten in den Jahren 2018-2019 habe ich verschiedene Projekte entwickelt und eines davon ist "How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover". Ich habe diese Video-Performance als Reaktion darauf erarbeitet, dass die ägyptische Zentralbank den Umlauf von Geldscheinen verboten hat, die Schriftzüge, Siegel oder grafische Zeichen und Slogans tragen, so dass diese in Banken nicht mehr akzeptiert werden. Hiermit sollte den Bürgern die Möglichkeit genommen werden, vor dem Hintergrund der schwierigen innenpolitischen Situation Ägyptens Widerstandsfähigkeit und Solidarität zu manifestieren.Ich wurde auch von vielen ägyptischen Artikeln inspiriert, die nach dem Verbot herauskamen und verschiedene Möglichkeiten thematisierten, wie man die Handschrift von den Geldscheinen entfernen kann. Ich entschied mich, diese Schritte zur Reinigung nachzuvollziehen, wobei jeder einzelne der Scheine beschädigt und am Ende zerfetzt zurück blieb, so dass die eigentliche Funktion und insbesondere der Wert verloren ging.
Schreiben die Leute auch in Marokko Phrasen auf Geldscheine? Wenn ja, hast du irgendwelche Unterschiede zu den ägyptischen Phrasen festgestellt?
Bei meiner Ankunft in Ägypten war eines der Dinge, die meine Aufmerksamkeit erregten, die Schriften, Phrasen und Siegel auf den Geldscheinen. Die Menschen dort verwenden diese handschriftlichen Notizen zum Festhalten besonderer Momente, z. B. einem Geburtstag oder Glückwünsche für eine Person, Liebessprüche oder ein Souvenir. Im Gegensatz dazu verbietet das marokkanische Strafgesetzbuch die vorsätzliche Verwendung eines Geldscheins oder einer Münze als Medium für eine Nachricht oder eine Werbung; ganz grundsätzlich ist jegliches Schreiben darauf untersagt.
Was haben die folgenden Dualitäten aus deiner Sicht mit den Schriftsätzen auf den Geldscheinen zu tun: Öffentlicher und privater Raum; das Individuum und die Gemeinschaft; Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit; Zugehörigkeit und Abwesenheit?
Die handschriftlichen Statements fungieren als Ausdrucksform, als stille Demonstration, als Medium des Austauschs, das öffentlich und privat zirkuliert und über das Individuum hinausgeht.Der Akt des Verbots und des Entfernens der Schriften von Scheinen kann als eine Art der Auslöschung eines kollektiven Gedächtnisses gesehen werden, als Entfernung jener Identität, die eine Gemeinschaft prägt.
Auffälliger roter Nagellack! Was war der Gedanke dahinter?
Ich wollte den Betrachtenden ein kleines Symbol hinterlassen, damit sie sehen, wie der rote Nagellack, den ich trage, während der einstündigen Performance mit dem Nagellackentferner reagiert. Er nutzt sich an den Rändern langsam ab, während der Haufen der Geldscheine wächst und die Schriften verschwinden. Etwas an dieser Bildsprache finde ich auch etwas gruselig; die langsame und sich wiederholende Zerstörung der Geldscheine und die behutsame Handhabung der Scheine in einer Kulisse, die so ordentlich, fast chirurgisch wirkt.
Als multidisziplinäre Künstlerin verwendest du verschiedene Materialien und Methoden für die Herstellung deiner Werke. Woher stammt die Inspiration für deine Arbeit?
Meine Praxis wurde schon immer stark von meiner Umgebung, meinen Erfahrungen und Begegnungen beeinflusst. Die Wahl des Mediums erfolgt dabei sehr intuitiv, in dem Sinne, dass, wenn ich vollständig in einen bestimmten Kontext eintauche und mich darauf einlasse, es normalerweise einen Moment des Verständnisses gibt, der mir das geeignete Medium nahe legt.
| Die Filme und Künstler*innen
Discover more on Lia Sáile on her website
A sea between languages – four German-Tunisians search for words. Translating a poem turns into a long and heated discussion about language, culture, heritage, migration, refugees and — inescapably — politics.
A documentary experimental film by Lia Sáile (2018), based on the poem "Tunis" by Adrian Kasnitz (2013).
CONVERSATION WITH THE ARTIST, April 2021
On the occasion of our screening in Cologne, Lia Sàile shared the following detailed and very personal views about her work and her self-conception as an artist often working across borders and in intervening spaces.
We are very pleased to show [TUNIS], a work in the in-views series that, with you as a German artist, takes a look at the in-between in intercultural processes and questions. What attracts you to this theme and where does your interest in the Mena region come from?
This question takes me back to the moment when I hesitated, and from then on struggled with myself for a long time, to send you my documentary experimental film [TUNIS]. Am I allowed to place myself under a heading like "contemporary Middle Eastern art" without having genetic, diasporic, cultural roots in the region, for example? Am I pushing myself on a platform where artists can show who presumably have a harder time systemically and structurally presenting in the Western "white" (art) world, who could celebrate their visibility here? At that time, you answered me very openly that you were interested precisely in this interface.
It's important for me to see if my artistic engagement has an added value, if it opens up something that questions, doubts, seeks, that changes. I want to build on something that is connected to my experience or my cultural "heritage", my life world. I am concerned to distance myself from problematic ethnographic "studies" and exoticism and yet, especially then, to remain in artistic discourse instead of saying "let them reflect on their own themes and contexts". Who are "they"? And are they only "their themes"? We live in a globalised, hyper-connected world. What happens in the "Middle East" has many roots as well as effects in the "West" and vice versa. Many politically difficult situations have either arisen in direct connection with the West or have an impact on it.
Germany, the country where I was born, sees itself culturally as a Christian country. I am always fascinated and irritated by the obvious and simple point of tension, that Christianity comes from the Middle East. And that this religion - at least in the Catholic variant - now has its seat, exaggeratedly speaking, in Europe, in its own independent state. I find that totally crazy. To look at the Crusades in which Germany was involved, or to look at the colonial history of Germany and Europe, and then to fast-forward all those centuries to today's globalised world in which we are interconnected politically, economically, ecologically, geographically in our mobility and also virtually/digitally - all that takes my breath away and makes me ask: who are we, as individuals, as communities, what can we achieve? How do we touch each other, how do we exclude each other, where does our closeness begin, where does the strangeness begin, where are thresholds, where are we under tension, where are frictions, overlaps? What needs to be protected and preserved, what needs to be deconstructed or liberated? [TUNIS] addresses these areas of tension on many levels, which is why it means a lot to me to show the film with you.
You are often described as a frontier crosser. Does this refer to the interdisciplinary artistic fields and forms of expression, does it refer to questions of content or is it to be understood in a literal geographical sense?
The term keeps coming back to me because of my interdisciplinary work as well as my thematic areas. It positions me as an artistic identity-construct in some "in-between". That's where I feel very comfortable in my work and the way I live it. It is perhaps even an anti-label. On the one hand, it certainly comes from my geographical unboundedness. I rarely have a studio for more than two years, I like to do without it for a while and tend to work on the move, depending on the project. For my artistic practice, I stay in motion in many ways; from medium, material, places to processes and themes, which I artistically like to condense temporarily and with a lasting openness and then pass them on again, instead of solidifying something flat, sealing it. My wish would be to look at my own work in a few decades and find both in it, the contemporary and the forward-looking.
How did you get into art? What is your motivation to be an artist?
My art arises out of necessity, perhaps that's how I can sum it up. I can move most freely in it. Art challenges and does not pretend to be anything, if you dare to accept it that way. It's intimidating, exhausting, as well as enriching and allows you to grow in all directions. So far, everything fulfils and connects in my art. My path here has been both straightforward and convoluted at the same time. I have not gone through a classical artist's biography. My locations in the art world for over a decade have been self-built, without the handrails of a classical education. I have simply always worked. Only now am I taking advantage of the privilege of an Academy of Media Arts in Cologne as a postgraduate student. I had previously studied theatre, film and media studies in Vienna, which enriched and strengthened me greatly. My roots come from the performative, theatrical and musical fields, and then I went further and further into the diversity of media and materials via photography and moving images.
A very personal question or a feminist digression: You are both an artist and a mother. A common idea is that creating art only works with absolute exclusiveness What does this mean - in your opinion - for the acceptance and the career as an artist? Does being a mother play a role in your work or is it unrelated?
I think this is a great and important question. There is a systemic, structural component to everything that relates to the viability and feasibility of the concept of "mother and artist" in the 21st century, e.g. in Germany. One is "allowed" to do anything – but is it possible? Will one continue to be taken seriously? Is it possible financially? Will you be mentally sidelined? The stories from fellow female artists – not male ones! - range from cancelled residencies and exhibitions, to sexist comments, to simple facts such as that there are hardly any residencies that are family-friendly, let alone galleries that offer childcare on set-ups or show correlating consideration during production runs. These are realities that women with children face that are very difficult to address. Fathers have little to no problem with this (there are studies on this), as it is assumed that their partner will take care of it. Female artists are often afraid to talk about it, to "come out". It is still unconsciously assumed that you can't be good as an artist when you become a mother, as if something is lost forever when you give birth. It is also often assumed that you don't continue afterwards. The art business is precarious anyway and women are demonstrably at a great disadvantage. There are various strategies of dealing with this, from self-exploitation in the sense of capitalist urge to produce up to burnout, via strategically prefabricated works during pregnancy in order to 'release' them in the first year, up to financial expenditure in childcare. Deliberate, relaxed abandonment is probably already an act of protest.Marina Abramović, whom I hold in high esteem and who has done a lot for women in the arts, said in the German magazin Tagesspiegel in 2016 that women are not as successful as men because they want to have children, which limits their energy. She uses her own biography to show that it is only through renunciation that one can ultimately become a successful artist. This seems to me like a belief system that actually no longer belongs in a community of solidarity, a modern democracy that tries to create equality, and clearly wants to exclude and limit women. But it certainly also leans on the mystery of the male genius and his creative work. I would like to give courage; since I feel I work partly more efficiently and more patiently, my ideas arise in new processes, which I also attribute to the meditative moments, the deceleration, the withdrawal, the new way of dealing with things. My focus has sharpened, my interests continue to mature, new insights and experiences are added. I actually feel enriched and more productive above all. But this is also due to my partnership situation. Last but not least, the increased vulnerability and sensitivity, for me, allows a whole new way of thinking and working. In my professional environment, I received – after having become a mother – mainly positive feedback and new offers of work and help.In this respect, I like to act as a role model and activist, because in a way I am still something of a trailblazer and want to contribute to changing structures by talking about it and calling for change. By the way, there are also various initiatives that address the issue, for example "And She Was Like: Bäm!" in Cologne or "Kind & Kunst" in Munich.
Can you tell us something about the process of making [TUNIS]? Give us a look behind the scenes?
This documentary experimental film, in which four German-Tunisians from the Cologne-based association Voices of Jasmine e.V. translate a poem by a German man, Adrian Kasnitz, apparently about the city of Tunis, into Tunisian-Arabic and in the process raise more and more questions about language, culture, identity and politics, is a border blaster in many respects. I could now go into the many different dimensions of the content of the conversations that have brought interculturality to life so brilliantly between these four minds. But I will let the film do that at this point. Let's go into the artistic realisation instead; because that starts with the genre and created a lot of obstacles for me at the beginning; poetry films are a genre in which poems are often cinematically illustrated or narratively realised, maybe sometimes descriptively experimental; there are many great works there. But to develop an almost documentary format in this genre, recording a conversation *about* a poem, let alone *translating* it, especially into Arabic dialect, with the process also being the relevant aspect, not the poem itself – all of ths went too far for some. I have had to hold very tightly to the concept and see it through against resistance and questions. Incidentally, an eternal concomitant of my work, as it rarely fits into a format or genre. The film explodes the genre, breaking out of its own boundaries, and in the process fans out various new levels. Another aspect, for example, is the English subtitle, which is an essential part of the art work rather than just an accompanying medium of mediation. It brings a fourth language into play, which is visually superimposed on the filmic one as a further level. In this language, too, not all of the German-Tunisians' word-search moments are translated, just as in the acoustic part of the film. This means that some terms are only revealed to Arabic speakers or will only become clear in the further course of the film. This is further intensified by the insertion of Arabic writing of some words, which also remains cryptic, thus elevating the non-understanding to another level and making it visible. Another exciting step, which you can hardly imagine in retrospect, was also the transcription of all the material, as well as the entire translation of all the Arabic and French parts, done with time markers to make the editing possible for me. Ferdaous Kabteni did that very meticulously. So the post-production was also based on translation and return to the medium of text. Visually, the film is a hybrid of documentary approach colliding with an almost studio-like production design of a sofa scene, which was in fact simply my living room at the time. Visually, the action is captured very sensitively, aesthetically, lyrically, in close-ups. There are no wide shots, the room is not broken up or explained, the artificially created context of the conversation is not elucidated. One enters in the middle of the conversation. Black fades fragment the process, refer to the blurring of the cinematic and the real time, let some sentences hang and reverberate in the in-between, in the void. The search for words, the exchange between the protagonists is on an incredible level.My fantastic director of photography Katja Rivas Pinzon carried a heavy handheld camera on her shoulder for 6 hours and did such a great job of implementing my desired format of circling closely around the speakers and their texts, gestures, books, glances. Here, too, I was advised several times to also include long shots, to use several cameras, to include more silent positions in order to correspond more to a classic conversation setting, but for me the dynamic of being in the middle, the fragmenting, was the most important aspect of the work. It's about the process itself. The film production also clearly exceeded the planned day-night limit, as we never thought we would be shooting for so long. In retrospect, I am endlessly grateful to Rivas Pinzon for insisting on a single spotlight, which I refused several times – 'cause we would have been sitting in the dark and I could hardly have done the a-chronologically editing. Actually, the editing process was a nerve-wracking marathon; assembling 6 hours of footage in 15 minutes, letting go of many favourite moments, tightening, reducing, leaving more space, letting it unfold - a wonderful ordeal when you know the material. Film editing is a borderline experience in itself anyway.
You have already realised and exhibited many interesting projects. Many have site-specific references. What is the significance of place in your art?
I think, recognizing places as negotiable in-between-places and non-places, as catalysts, narrative agents that open up associations, is one of the most important aspects for me. And this does not always necessarily manifest itself in the final work. The title [TUNIS] is a nice example, in which everything revolves around a place that you never see, that points beyond itself, as something near and far at the same time.
What else are you currently working on? What can you make us curious about?
For example, a project funded by the city of Munich, which will take place in May, was initiated by the Pulse of Europe association, which approached me. (As a side note, they immediately offered baby care & co in the implementation!) The association asked me to develop an art project in public space for them, dealing with the theme of solidarity in the context of the European Union. As will come as no surprise, I have strongly deconstructed the theme and have now found what I consider to be a dynamically touching, expansive approach; the work will consist of over 70 metres of fabric. Here, too, I have not left the threshold to the Middle East untouched, that much is already revealed...
"Tunis", with its numerous fade-outs, gives an idea of how long and how intensively the four of them will be engaged in their task. In the end there will be three texts, a poem, a translation and the reverse translation of the first one, which has taken the liberty to rewrite the poem. And the film.Andreas Altenhoff in: «poetry/film»: Gedichte – Filme – Resonanzen, Köln 2020
I her field of work Lia Sáile explores limits, their transgression and intervening spaces, by interrelating fragments and concepts of reality. She develops artistic forms for experiencing political, cultural and social areas of tension.
Sáile is utilising multiple forms of media and artistic techniques, from film to photo, as well as installations and interventions of sound, light and textile.
I her field of work Lia Sáile explores limits, their transgression and intervening spaces, by interrelating fragments and concepts of reality. She develops artistic forms for experiencing political, cultural and social areas of tension.
Sáile is utilising multiple forms of media and artistic techniques, from film to photo, as well as installations and interventions of sound, light and textile.
"Tunis", with its numerous fade-outs, gives an idea of how long and how intensively the four of them will be engaged in their task. In the end there will be three texts, a poem, a translation and the reverse translation of the first one, which has taken the liberty to rewrite the poem. And the film.Andreas Altenhoff in: «poetry/film»: Gedichte – Filme – Resonanzen, Köln 2020
CONVERSATION WITH THE ARTIST, April 2021
On the occasion of our screening in Cologne, Lia Sàile shared the following detailed and very personal views about her work and her self-conception as an artist often working across borders and in intervening spaces.
We are very pleased to show [TUNIS], a work in the in-views series that, with you as a German artist, takes a look at the in-between in intercultural processes and questions. What attracts you to this theme and where does your interest in the Mena region come from?
This question takes me back to the moment when I hesitated, and from then on struggled with myself for a long time, to send you my documentary experimental film [TUNIS]. Am I allowed to place myself under a heading like "contemporary Middle Eastern art" without having genetic, diasporic, cultural roots in the region, for example? Am I pushing myself on a platform where artists can show who presumably have a harder time systemically and structurally presenting in the Western "white" (art) world, who could celebrate their visibility here? At that time, you answered me very openly that you were interested precisely in this interface.
It's important for me to see if my artistic engagement has an added value, if it opens up something that questions, doubts, seeks, that changes. I want to build on something that is connected to my experience or my cultural "heritage", my life world. I am concerned to distance myself from problematic ethnographic "studies" and exoticism and yet, especially then, to remain in artistic discourse instead of saying "let them reflect on their own themes and contexts". Who are "they"? And are they only "their themes"? We live in a globalised, hyper-connected world. What happens in the "Middle East" has many roots as well as effects in the "West" and vice versa. Many politically difficult situations have either arisen in direct connection with the West or have an impact on it.
Germany, the country where I was born, sees itself culturally as a Christian country. I am always fascinated and irritated by the obvious and simple point of tension, that Christianity comes from the Middle East. And that this religion - at least in the Catholic variant - now has its seat, exaggeratedly speaking, in Europe, in its own independent state. I find that totally crazy. To look at the Crusades in which Germany was involved, or to look at the colonial history of Germany and Europe, and then to fast-forward all those centuries to today's globalised world in which we are interconnected politically, economically, ecologically, geographically in our mobility and also virtually/digitally - all that takes my breath away and makes me ask: who are we, as individuals, as communities, what can we achieve? How do we touch each other, how do we exclude each other, where does our closeness begin, where does the strangeness begin, where are thresholds, where are we under tension, where are frictions, overlaps? What needs to be protected and preserved, what needs to be deconstructed or liberated? [TUNIS] addresses these areas of tension on many levels, which is why it means a lot to me to show the film with you.
You are often described as a frontier crosser. Does this refer to the interdisciplinary artistic fields and forms of expression, does it refer to questions of content or is it to be understood in a literal geographical sense?
The term keeps coming back to me because of my interdisciplinary work as well as my thematic areas. It positions me as an artistic identity-construct in some "in-between". That's where I feel very comfortable in my work and the way I live it. It is perhaps even an anti-label. On the one hand, it certainly comes from my geographical unboundedness. I rarely have a studio for more than two years, I like to do without it for a while and tend to work on the move, depending on the project. For my artistic practice, I stay in motion in many ways; from medium, material, places to processes and themes, which I artistically like to condense temporarily and with a lasting openness and then pass them on again, instead of solidifying something flat, sealing it. My wish would be to look at my own work in a few decades and find both in it, the contemporary and the forward-looking.
How did you get into art? What is your motivation to be an artist?
My art arises out of necessity, perhaps that's how I can sum it up. I can move most freely in it. Art challenges and does not pretend to be anything, if you dare to accept it that way. It's intimidating, exhausting, as well as enriching and allows you to grow in all directions. So far, everything fulfils and connects in my art. My path here has been both straightforward and convoluted at the same time. I have not gone through a classical artist's biography. My locations in the art world for over a decade have been self-built, without the handrails of a classical education. I have simply always worked. Only now am I taking advantage of the privilege of an Academy of Media Arts in Cologne as a postgraduate student. I had previously studied theatre, film and media studies in Vienna, which enriched and strengthened me greatly. My roots come from the performative, theatrical and musical fields, and then I went further and further into the diversity of media and materials via photography and moving images.
A very personal question or a feminist digression: You are both an artist and a mother. A common idea is that creating art only works with absolute exclusiveness What does this mean - in your opinion - for the acceptance and the career as an artist? Does being a mother play a role in your work or is it unrelated?
I think this is a great and important question. There is a systemic, structural component to everything that relates to the viability and feasibility of the concept of "mother and artist" in the 21st century, e.g. in Germany. One is "allowed" to do anything – but is it possible? Will one continue to be taken seriously? Is it possible financially? Will you be mentally sidelined? The stories from fellow female artists – not male ones! - range from cancelled residencies and exhibitions, to sexist comments, to simple facts such as that there are hardly any residencies that are family-friendly, let alone galleries that offer childcare on set-ups or show correlating consideration during production runs. These are realities that women with children face that are very difficult to address. Fathers have little to no problem with this (there are studies on this), as it is assumed that their partner will take care of it. Female artists are often afraid to talk about it, to "come out". It is still unconsciously assumed that you can't be good as an artist when you become a mother, as if something is lost forever when you give birth. It is also often assumed that you don't continue afterwards. The art business is precarious anyway and women are demonstrably at a great disadvantage. There are various strategies of dealing with this, from self-exploitation in the sense of capitalist urge to produce up to burnout, via strategically prefabricated works during pregnancy in order to 'release' them in the first year, up to financial expenditure in childcare. Deliberate, relaxed abandonment is probably already an act of protest.Marina Abramović, whom I hold in high esteem and who has done a lot for women in the arts, said in the German magazin Tagesspiegel in 2016 that women are not as successful as men because they want to have children, which limits their energy. She uses her own biography to show that it is only through renunciation that one can ultimately become a successful artist. This seems to me like a belief system that actually no longer belongs in a community of solidarity, a modern democracy that tries to create equality, and clearly wants to exclude and limit women. But it certainly also leans on the mystery of the male genius and his creative work. I would like to give courage; since I feel I work partly more efficiently and more patiently, my ideas arise in new processes, which I also attribute to the meditative moments, the deceleration, the withdrawal, the new way of dealing with things. My focus has sharpened, my interests continue to mature, new insights and experiences are added. I actually feel enriched and more productive above all. But this is also due to my partnership situation. Last but not least, the increased vulnerability and sensitivity, for me, allows a whole new way of thinking and working. In my professional environment, I received – after having become a mother – mainly positive feedback and new offers of work and help.In this respect, I like to act as a role model and activist, because in a way I am still something of a trailblazer and want to contribute to changing structures by talking about it and calling for change. By the way, there are also various initiatives that address the issue, for example "And She Was Like: Bäm!" in Cologne or "Kind & Kunst" in Munich.
Can you tell us something about the process of making [TUNIS]? Give us a look behind the scenes?
This documentary experimental film, in which four German-Tunisians from the Cologne-based association Voices of Jasmine e.V. translate a poem by a German man, Adrian Kasnitz, apparently about the city of Tunis, into Tunisian-Arabic and in the process raise more and more questions about language, culture, identity and politics, is a border blaster in many respects. I could now go into the many different dimensions of the content of the conversations that have brought interculturality to life so brilliantly between these four minds. But I will let the film do that at this point. Let's go into the artistic realisation instead; because that starts with the genre and created a lot of obstacles for me at the beginning; poetry films are a genre in which poems are often cinematically illustrated or narratively realised, maybe sometimes descriptively experimental; there are many great works there. But to develop an almost documentary format in this genre, recording a conversation *about* a poem, let alone *translating* it, especially into Arabic dialect, with the process also being the relevant aspect, not the poem itself – all of ths went too far for some. I have had to hold very tightly to the concept and see it through against resistance and questions. Incidentally, an eternal concomitant of my work, as it rarely fits into a format or genre. The film explodes the genre, breaking out of its own boundaries, and in the process fans out various new levels. Another aspect, for example, is the English subtitle, which is an essential part of the art work rather than just an accompanying medium of mediation. It brings a fourth language into play, which is visually superimposed on the filmic one as a further level. In this language, too, not all of the German-Tunisians' word-search moments are translated, just as in the acoustic part of the film. This means that some terms are only revealed to Arabic speakers or will only become clear in the further course of the film. This is further intensified by the insertion of Arabic writing of some words, which also remains cryptic, thus elevating the non-understanding to another level and making it visible. Another exciting step, which you can hardly imagine in retrospect, was also the transcription of all the material, as well as the entire translation of all the Arabic and French parts, done with time markers to make the editing possible for me. Ferdaous Kabteni did that very meticulously. So the post-production was also based on translation and return to the medium of text. Visually, the film is a hybrid of documentary approach colliding with an almost studio-like production design of a sofa scene, which was in fact simply my living room at the time. Visually, the action is captured very sensitively, aesthetically, lyrically, in close-ups. There are no wide shots, the room is not broken up or explained, the artificially created context of the conversation is not elucidated. One enters in the middle of the conversation. Black fades fragment the process, refer to the blurring of the cinematic and the real time, let some sentences hang and reverberate in the in-between, in the void. The search for words, the exchange between the protagonists is on an incredible level.My fantastic director of photography Katja Rivas Pinzon carried a heavy handheld camera on her shoulder for 6 hours and did such a great job of implementing my desired format of circling closely around the speakers and their texts, gestures, books, glances. Here, too, I was advised several times to also include long shots, to use several cameras, to include more silent positions in order to correspond more to a classic conversation setting, but for me the dynamic of being in the middle, the fragmenting, was the most important aspect of the work. It's about the process itself. The film production also clearly exceeded the planned day-night limit, as we never thought we would be shooting for so long. In retrospect, I am endlessly grateful to Rivas Pinzon for insisting on a single spotlight, which I refused several times – 'cause we would have been sitting in the dark and I could hardly have done the a-chronologically editing. Actually, the editing process was a nerve-wracking marathon; assembling 6 hours of footage in 15 minutes, letting go of many favourite moments, tightening, reducing, leaving more space, letting it unfold - a wonderful ordeal when you know the material. Film editing is a borderline experience in itself anyway.
You have already realised and exhibited many interesting projects. Many have site-specific references. What is the significance of place in your art?
I think, recognizing places as negotiable in-between-places and non-places, as catalysts, narrative agents that open up associations, is one of the most important aspects for me. And this does not always necessarily manifest itself in the final work. The title [TUNIS] is a nice example, in which everything revolves around a place that you never see, that points beyond itself, as something near and far at the same time.
What else are you currently working on? What can you make us curious about?
For example, a project funded by the city of Munich, which will take place in May, was initiated by the Pulse of Europe association, which approached me. (As a side note, they immediately offered baby care & co in the implementation!) The association asked me to develop an art project in public space for them, dealing with the theme of solidarity in the context of the European Union. As will come as no surprise, I have strongly deconstructed the theme and have now found what I consider to be a dynamically touching, expansive approach; the work will consist of over 70 metres of fabric. Here, too, I have not left the threshold to the Middle East untouched, that much is already revealed...
A sea between languages – four German-Tunisians search for words. Translating a poem turns into a long and heated discussion about language, culture, heritage, migration, refugees and — inescapably — politics.
A documentary experimental film by Lia Sáile (2018), based on the poem "Tunis" by Adrian Kasnitz (2013).
"Cairo, 2011–2012. A historic period. I’m in the midst of events, but I am deliberately pointing my camera to the ground. In addition to recording the sound of the metropolis with all its facets, I film the ground and whatever happens to get in front of the lens. From this perspective, rubbish, feet, shoes and the ground itself become signs for the viewer’s imagination. By pointing the camera to the ground I both quote and deconstruct visual habits, which are tied up with the bird’s eye view and the hegemony of the central perspective. From a purely media-aesthetic point of view, however, my main aim is to establish the aural as the real focus of attention. The sound is the only reference to the unseen."
Artist statement on "Auf dem Boden der Tatsachen" ("Down to earth")
With a background in cultural science and journalism, Zanganeh’s artistic work centers on conceptual art, captured in various media formats. Her works inlcude films, books and photography, published and displayed across several spaces in Europe and Middle East.
In addition to working as an artist, Roshanak is a co-founder of Contempory Middle East e. V. (conmidea.org).
Discover more on Roshanak Zangeneh on her website
"Cairo, 2011–2012. A historic period. I’m in the midst of events, but I am deliberately pointing my camera to the ground. In addition to recording the sound of the metropolis with all its facets, I film the ground and whatever happens to get in front of the lens. From this perspective, rubbish, feet, shoes and the ground itself become signs for the viewer’s imagination. By pointing the camera to the ground I both quote and deconstruct visual habits, which are tied up with the bird’s eye view and the hegemony of the central perspective. From a purely media-aesthetic point of view, however, my main aim is to establish the aural as the real focus of attention. The sound is the only reference to the unseen."
Artist statement on "Auf dem Boden der Tatsachen" ("Down to earth")
With a background in cultural science and journalism, Zanganeh’s artistic work centers on conceptual art, captured in various media formats. Her works inlcude films, books and photography, published and displayed across several spaces in Europe and Middle East.
In addition to working as an artist, Roshanak is a co-founder of Contempory Middle East e. V. (conmidea.org).
Kurzfilme als Schaufenster-Ausstellung in Köln-Ehrenfeld
Am 20. November 2020 startet die Kurzfilm-Reihe "in views"; präsentiert vom gemeinnützigen Verein Contemporary Middle East e. V. Die Reihe besteht aus einer Folge von Window-Screenings, bei denen das (Schau-) Fenster eines Ladenlokals zur Filmbühne wird und Passanten auf deren alltäglichen Wegen einen unverhofften Zugang zu Kunst ermöglicht.
Der Titel der Reihe steht für die Blicke, die das Publikum durch die Schaufensterfläche auf Kunst zum Thema Naher und Mittlerer Osten wirft. "In Views" steht gleichzeitig auch für die jeweiligen An- und Einsichten der beteiligten Künstler*innen zu vielschichtigen Aspekten der Verbindung von westlicher Kultur und der Kultur der Mena-Region.
Die Künstler*innen nehmen etwas "in view", machen also ihr jeweiliges Thema, ihr Anliegen oder ihre Einstellung sichtbar für uns, das Publikum. Da "in my view" sich mit "meiner Ansicht/Meinung nach" übersetzt, fördert der Titel der Reihe auch das Positionieren von sehr subjektiven, authentischen künstlerischen Aussagen. Inwieweit sich diese views mit denen des Publikums decken, oder die Zuschauer*innen auch kontrovers zum Dialog anregen, bleibt spannend.
Nach einem international ausgeschriebenen Open-Call werden dem Kölner Publikum nun 6 Filme unterschiedlichster Video-Künstler*innen gezeigt. Viele der Arbeiten sind erstmals in Deutschland zu sehen.
Das Fenster…
Die Kurzfilme werden im Herzen Kölns im Schaufenster eine Ladenlokals präsentiert. Das Glas der Schaufensterscheibe ist zugleich Projektionsfläche für das Bild als auch Verstärker für den Ton, der – ohne sichtbare Lautsprecher – den Bürgersteig ausfüllt und den Betrachter*innen eine körperliche Erfahrung weit über das Visuelle hinaus ermöglicht. Das Konzept des Window-Screenings passt in die aktuelle Pandemie-Lage, denn die Zuschauer*innen können die Arbeiten während der täglich 4-stündigen Ausstrahlung unter Einhaltung von Abstandsregeln vom Bürgersteig aus erleben. Sie können innehalten und gedanklich, emotional und intellektuell – jedoch nicht körperlich – 'eintreten'.
Über uns…
Contemporary Middle East. e.V. (www.conmidea.org) ist ein 2019 gegründeter, in Köln eingetragener gemeinnütziger Verein mit den Tätigkeitsbereichen Kunst, Kultur und internationaler Austausch aus und mit der Mena-Region. Wir entwickeln und kuratieren innovative Ausstellungsformate, um einer breiten, generations-übergreifenden, sowie kulturell- und sozial-diversen Öffentlichkeit einen Dialog zu eröffnen über aktuelle Sichtweisen auf das Miteinander in Gesellschaft, Kultur und Religion.
Kurzfilme als Schaufenster-Ausstellung in Köln-Ehrenfeld
Am 20. November 2020 startet die Kurzfilm-Reihe "in views"; präsentiert vom gemeinnützigen Verein Contemporary Middle East e. V. Die Reihe besteht aus einer Folge von Window-Screenings, bei denen das (Schau-) Fenster eines Ladenlokals zur Filmbühne wird und Passanten auf deren alltäglichen Wegen einen unverhofften Zugang zu Kunst ermöglicht.
Der Titel der Reihe steht für die Blicke, die das Publikum durch die Schaufensterfläche auf Kunst zum Thema Naher und Mittlerer Osten wirft. "In Views" steht gleichzeitig auch für die jeweiligen An- und Einsichten der beteiligten Künstler*innen zu vielschichtigen Aspekten der Verbindung von westlicher Kultur und der Kultur der Mena-Region.
Die Künstler*innen nehmen etwas "in view", machen also ihr jeweiliges Thema, ihr Anliegen oder ihre Einstellung sichtbar für uns, das Publikum. Da "in my view" sich mit "meiner Ansicht/Meinung nach" übersetzt, fördert der Titel der Reihe auch das Positionieren von sehr subjektiven, authentischen künstlerischen Aussagen. Inwieweit sich diese views mit denen des Publikums decken, oder die Zuschauer*innen auch kontrovers zum Dialog anregen, bleibt spannend.
Nach einem international ausgeschriebenen Open-Call werden dem Kölner Publikum nun 6 Filme unterschiedlichster Video-Künstler*innen gezeigt. Viele der Arbeiten sind erstmals in Deutschland zu sehen.
Das Fenster…
Die Kurzfilme werden im Herzen Kölns im Schaufenster eine Ladenlokals präsentiert. Das Glas der Schaufensterscheibe ist zugleich Projektionsfläche für das Bild als auch Verstärker für den Ton, der – ohne sichtbare Lautsprecher – den Bürgersteig ausfüllt und den Betrachter*innen eine körperliche Erfahrung weit über das Visuelle hinaus ermöglicht. Das Konzept des Window-Screenings passt in die aktuelle Pandemie-Lage, denn die Zuschauer*innen können die Arbeiten während der täglich 4-stündigen Ausstrahlung unter Einhaltung von Abstandsregeln vom Bürgersteig aus erleben. Sie können innehalten und gedanklich, emotional und intellektuell – jedoch nicht körperlich – 'eintreten'.
Über uns…
Contemporary Middle East. e.V. (www.conmidea.org) ist ein 2019 gegründeter, in Köln eingetragener gemeinnütziger Verein mit den Tätigkeitsbereichen Kunst, Kultur und internationaler Austausch aus und mit der Mena-Region. Wir entwickeln und kuratieren innovative Ausstellungsformate, um einer breiten, generations-übergreifenden, sowie kulturell- und sozial-diversen Öffentlichkeit einen Dialog zu eröffnen über aktuelle Sichtweisen auf das Miteinander in Gesellschaft, Kultur und Religion.
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Klicke auf die jeweiligen Bilder für mehr Info zu den Arbeiten, den beteiligten Künstler*innen und den jeweiligen Ausstrahlungsterminen:
| Die Filme und Künstler*innen
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Über den Ausstellungsort:Die Location wurde wegen der thematischen Nähe zu Kernpunkten der In-Views-Reihe ausgewählt: Die Ladenästhetik und -thematik von "Der Gute Grund", als Mischform von Office- und Workshop-Space, kreativem Hotspot und Stätte zum Gedankenaustausch über Nachhaltigkeit und Lebensqualität in unserer Technologiegesellschaft, sowie seine Lage im multikulturell besiedelten und stark frequentierten Szene-Bezirks Kölns korrespondieren auf interessante Weise mit den gezeigten Arbeiten: Auch diese zeugen von persönlichen Biografien in multi-nationalen Lebensräumen, sie thematisieren und hinterfragen Rollenmuster und sie befassen sich mit Lebensentwürfen, Selbstfindungsprozessen und sozialen wie persönlichen Freiräumen.Vor allem aber kommt die Kunst hier zum Betrachtenden; sie verlässt den musealen Kontext üblicher Kunstrezeption und findet ihren Platz im alltäglichen Lebensraum.
Einen Auszug des in Köln präsentierten Films findest du hier...
"Wie vom Ariadnefaden geführt, gerät der Zuschauer an der Hand
eines Mädchens in ein Labyrinth verschiedener Kräfte. Tradition,
Familie, Kultur, Gesellschaft, Natur, Verführung, Zugehörigkeit,
Verantwortung… alle ziehen ihre Fäden und hinterlassen das
Mädchen – und mit ihr auch uns als Zuschauer – in einem rätselhaften Zustand kryptischer Zeichen. Das Band verwandelt sich zur
Fessel, zu kalligrafischen Symbolen, wird unsichtbar beim Tanz in Reih und Glied und taucht zerrissen und zersprengt wieder auf,
um auf neue Wege zu führen.
"
Astrid Menze, Unterstützerin von conmidea.org, über den Film
Khat-e Penhan / Hidden Line von Gazelle Samizay
Die Arbeiten der afghanisch-amerikanischen Video-Künstlerin Gazelle Samizay behandeln die Widersprüche von Kultur, Nationalität und Geschlecht aus dem Blickwinkel ihrer eigenen bi-kulturellen Identität. Samizays Werke in den Bereichen Fotografie, Video und Mixed-Media sind einem bereits größeren Publikum durch Ausstellungen in diversen Museen in den USA bekannt. Sie ist in Kabul geboren und in Washington aufgewachsen. Derzeit lebt Gazelle in San Francisco.
In diesem Video-Interview gibt Gazelle Samizay Einblicke in ihre Arbeit
Mehr Info über die Künstlerin: www.gazellesamizay.com
"Wie vom Ariadnefaden geführt, gerät der Zuschauer an der Hand
eines Mädchens in ein Labyrinth verschiedener Kräfte. Tradition,
Familie, Kultur, Gesellschaft, Natur, Verführung, Zugehörigkeit,
Verantwortung… alle ziehen ihre Fäden und hinterlassen das
Mädchen – und mit ihr auch uns als Zuschauer – in einem rätselhaften Zustand kryptischer Zeichen. Das Band verwandelt sich zur
Fessel, zu kalligrafischen Symbolen, wird unsichtbar beim Tanz in Reih und Glied und taucht zerrissen und zersprengt wieder auf,
um auf neue Wege zu führen.
"
Astrid Menze, Unterstützerin von conmidea.org, über den Film
Khat-e Penhan / Hidden Line von Gazelle Samizay
Die Arbeiten der afghanisch-amerikanischen Video-Künstlerin Gazelle Samizay behandeln die Widersprüche von Kultur, Nationalität und Geschlecht aus dem Blickwinkel ihrer eigenen bi-kulturellen Identität. Samizays Werke in den Bereichen Fotografie, Video und Mixed-Media sind einem bereits größeren Publikum durch Ausstellungen in diversen Museen in den USA bekannt. Sie ist in Kabul geboren und in Washington aufgewachsen. Derzeit lebt Gazelle in San Francisco.
Kontakt zu Mohamed Al-Bakeri: via Email
Mehr Info zu Mohamed Al-Bakeri auf seinem Instagram-Profil
Im folgenden Interview gibt Mohamed Al-Bakari spannende Einblicke in seine Arbeitsweise bei der Entstehung von "Between Men":
Der Künstler über die Intimität von Gesten:
Die Art, wie insbesondere Männer miteinander umgehen, ist häufig mit physischem Kontakt verbunden. In Ägypten – oder allgemein in diesem Teil der Welt – ist die Art, wie wir uns begrüßen oder wie wir z. B. Ärger oder Aufregung ausdrücken, sehr intim.
Wenn zum Beispiel zwei Männer im Café sitzen und der eine möchte die Aufmerksamkeit des anderen auf sich ziehen, dann legt er seine Hand auf das Knie des anderen. Ob dies kraftvoll bestimmt oder sanft und dezent ausgeführt wird, macht einen großen Unterschied hinsichtlich der Bedeutung, die wir dieser Geste zuschreiben.
Ich möchte den Gesten so ehrlich wie möglich gerecht werden und extrahiere sie exakt so, wie sie ausgeführt werden. Allerdings nehme ich mir die Freiheit, die Geschwindigkeit der Geste zu modifizieren, genau wie ihre Intensität. Ist die Ausführung schnell oder langsam, kraftvoll oder sanft? Das macht in der Wahrnehmung der Geste einen entscheidenden Unterschied. Geschwindigkeit und Intensität betrachte ich daher als meine Werkzeuge, um zu gestalten wie Bedeutung, Aussage und Perspektive der Gesten rezipiert werden.
Über den intensiven kommunikativen Einsatz unserer Hände
Ich denke, dass wie so stark mit unseren Händen kommunizieren, liegt daran, dass Hände ein ausgezeichnetes Werkzeug darstellen um verschiedenste Emotionen auszudrücken. Um Mitgefühl oder Verärgerung zu zeigen, oder uns groß, bestimmt und selbstbewusst zu geben – oder uns klein zu machen, unterzuordnen und defensiv aufzutreten.
Wie wir uns bei der Begrüßung die Hand geben, was sich in den Sekunden abspielt, bevor du die Hand einer geliebten Person ergreifst, oder den Sekunden, bevor du auf der Straße zufällig in jemanden stolperst – auf solche Dinge genau zu achten, das ist für mich ein besonderer Antrieb in meiner Arbeit.
Darüber, eine Schleife mit sich wiederholenden Gesten auszuführen
Ich sehe Wiederholungen auf ganz ähnliche Weise, wie ich Stille sehe. Denn beides bringt dich zum nachdenken.
Wenn du zum Beispiel mitten in einer Unterhaltung komplett still wirst und nicht länger auf die Kommentare oder Äusserungen deines Gesprächspartners reagierst, dann kreierst du eine Leere. Und das bringt die andere Person dann dazu seine eigene Wahrnehmung zu überdenken.
Mit sich wiederholenden Gesten ist es etwas anders: normalerweise nimmst du eine Geste für bare Münze. Die Art, wie unsere Augen sehen, wie unser Gehirn funktioniert, und wie wir Gesten mit Bedeutung aufladen, formt ein unmittelbares Bild der Wahrnehmung. Aber wenn diese Geste wieder und wieder ausgeführt wird, fragen wir uns, fragen wir den Betrachter, unweigerlich, was dahinter steckt. Warum die Wiederholung? Gibt es Unterschiede von Durchlauf zu Durchlauf? Solch kleine Unterschiede oder Modifikationen füge ich üblicherweise in meinen Performances hinzu, was die Wahrnehmung entscheidend verändern kann.
Was den Anfang und das Ende der Performance betrifft, war meine Absicht eine Schleife oder ein konsistentes, geschlossenes Bild zu erzeugen, das sich losgelöst fühlt von Zeit
Über das Zusammenfügen der Choreografie:
Beim Erarbeiten der Choreografie entschied ich mich dafür jede einzelne Geste separat zu erarbeiten und die jeweiligen Möglichkeiten der Ausführung richtig tief zu durchdringen.
Nimm als Beispiel die Geste der Umarmung: Manche Männer umarmen mit einem Arm um die Schulter und dem anderen Arm um die Taille; andere legen beide Arme um die Schulter. Im Detail gibt es viele Wege eine Umarmung auszuführen. Dazu habe ich meine eigene visuelle Bibliothek erstellt, sozusagen ein Buch der Gesten – fast wie eine Bedienungsanleitung, die erklärt, wie man Dinge zusammenbaut.
So entstand die Choreographie. Ich habe jede einzelne Geste für sich genommen analysiert und studiert, welche Variationen möglich sind. Und dann habe ich im Grunde gepuzzelt: Mit welcher Geste fange ich an, mit welcher höre ich auf? Wie möchte ich, dass sich die jeweilige Geste im Laufe der Choreographie entfaltet? Und wie sehen die möglichen Wiederholungen und Formen genau aus?
Über das Bühnenbild und die schauspielerische Komponente:
Das Spiel mit Wiederholungen und kontinuierlichen Modifikationen ist die eine Sache. Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf den Entscheidungen hinsichtlich des Bühnenbilds und der schauspielerischen Darbietung. Hiermit meine ich insbesondere die ästhetischen und konzeptionellen Entscheidungen; unter anderem zum Raum, zur Kleidung oder zum Alter der Darsteller. Ich wollte einen neutralen Raum; nichts was einen spezifischen Ort nachzubilden versucht wie etwa ein Café oder eine bestimmte Strasse. Der Raum hat weisse Wände und einen Holzboden. Mehr nicht. Er hat quasi kein sonstiges Gewicht, keine überflüssigen Ebenen.
Die Darsteller tragen Kleidung, wie sie jeder tragen könnte – ganz unabhängig von Herkunft, sozialem Stand oder Bildungsniveau.
Ich sehe die Darsteller gewissermaßen als Vehikel zum Kommunizieren der Choreografie. Deshalb gibt es keine spezielle Mimik, keine sich verändernden Gesichtsausdrücke. Die Performance bleibt stoisch, konsistent, ohne Hinzufügung jeglicher Dramatik. Es ist im Wesentlichen nur eine Schleife, die dort aufhört, wo sie beginnt.
Über seine Biografie:
Den Zusammenhang zu meinem persönlichen Background sehe ich am ehesten im performativen Aspekt meiner Arbeit. Als Jugendlicher habe ich die Notwendigkeit verspürt, auf eine gewisse Weise 'männlich' zu agieren, oder Dominanz und manchmal Gleichgültigkeit zu verkörpern, selbst wenn mir Dinge oder Personen ganz und gar nicht gleichgültig waren. Oder ich dachte, ich müsse Interesse in Personen oder Dinge zum Ausdruck bringen, auch wenn sie mich in Wahrheit gar nicht interessierten. Diese Art von Druck, körperlich und emotional zu 'performen' – letztlich um eine Fassade darüber aufrecht zu halten, wie ich als Person wirke – hat mich wohl besonders stark beeinflusst. Ich glaube, es ist diese im wahrsten Sinne körperliche Arbeit, um auf eine bestimmte Weise zu sprechen, zu agieren und somit eine bestimmte Botschaft auszusenden, die mich zu meinen heutigen Arbeiten und Themen geführt hat.
Welchen Einfluss Social Distancing auf seine Projekte hat
Offensichtlich ist performatives Arbeiten mit einer Vielzahl von Menschen zur Zeit kaum möglich. Vor der Pandemie gab es Orte, an denen eine Ansammlung von Menschen – auch in gewisser Nähe zu einender – zusammen kommen und meine Arbeiten erleben konnten. Das gilt fürs Publikum und die Darsteller gleichermaßen. Solche Orte entfallen zur Zeit vollständig.
Aber ich erkenne sehr deutlich, dass meine Arbeiten beim Publikum mehr denn je das Gefühl oder den Wunsch nach menschlicher Nähe und Interaktion auslösen. Leider bleibt dies aktuell ein unerfüllbarer Wunsch; sowohl auf persönlicher wie auf künstlerischer Ebene.
Inwieweit "Between Men" sich zu einer interaktiven, das Publikum einbeziehenden Performance entwickeln könnte:
Klar, das kann ich mir gut vorstellen. Es ist absolut machbar und ich war auch schon in diese Richtung unterwegs. Die Recherchen, die zu in "Between Men" geführt haben, sind noch nicht abgeschlossen und ich denke, sie werden noch zu weiteren Ergebnissen führen; in Ergänzung zum Film.
Leider ist dies momentan stark eingebremst von der Pandemie. Deren Hürden sind allerdings auch ein Antrieb für mich, meine Beobachtungen und Fundstücke aus einem breiteren Blickwickel heraus zu betrachten, neue Möglichkeiten zu entdecken und Narrative zu entwickeln, die ich bislang in dieser Form noch nicht gesehen habe. Auf diesem Weg befinde ich mich bereits – natürlich ist das ziemlich herausfordernd, aber gleichzeitig auch spannend und, wie ich finde, sehr vielversprechend.
"Mein Film «Between Men» betrachtet die soziale und politische Bedeutung alltäglicher Gesten und Verhaltensweisen von Männern. Was gibt uns die Körpersprache zwischen ihnen – insbesondere in männlich dominierten (Lebens-) Räumen – zu erkennen hinsichtlich Gesellschaft, Politik, Sexualität und Religion?
In meiner Arbeit reizen mich insbesondere solche Themen, die gesellschaftspolitische Normen hinterfragen und aufbrechen. Ich strebe nach ungewöhnlichen Möglichkeiten und Narrativen, anstatt in bestehenden Mustern und Formen zu verharren."
Mohamed Al-Bakeri über seinen Film "Between Men"
Mohamed Al-Bakeri arbeitet als freier Künstler in Kairo, Ägypten. Vor dem Hintergrund seiner journalistischen Tätigkeiten und seiner Arbeit in den Bereichen Werbung und Marketing experimentiert Al-Bakeri in seiner Kunst mit den Medien Fotografie, Druck und Video. Er kreiert vielschichtige Bildsprachen, um vorgefasste sozio-kulturelle Normen zu dehnen und ungewöhnliche Perspektiven aufzuzeigen. Ziel seiner Arbeiten ist es häufig, unterschiedlichsten Betrachter*innen eine physische Teilhabe zu ermöglichen, indem er Empfindungen nachspüren lässt, die über das rein visuelle hinausgehen.
"Mein Film «Between Men» betrachtet die soziale und politische Bedeutung alltäglicher Gesten und Verhaltensweisen von Männern. Was gibt uns die Körpersprache zwischen ihnen – insbesondere in männlich dominierten (Lebens-) Räumen – zu erkennen hinsichtlich Gesellschaft, Politik, Sexualität und Religion?
In meiner Arbeit reizen mich insbesondere solche Themen, die gesellschaftspoli-tische Normen hinterfragen und aufbrechen. Ich strebe nach ungewöhnlichen Möglichkeiten und Narrativen, anstatt in bestehenden Mustern und Formen zu verharren."
Mohamed Al-Bakeri über seinen Film "Between Men"
Mohamed Al-Bakeri arbeitet als freier Künstler in Kairo, Ägypten. Vor dem Hintergrund seiner journalistischen Tätigkeiten und seiner Arbeit in den Bereichen Werbung und Marketing experimentiert Al-Bakeri in seiner Kunst mit den Medien Fotografie, Druck und Video. Er kreiert vielschichtige Bildsprachen, um vorgefasste sozio-kulturelle Normen zu dehnen und ungewöhnliche Perspektiven aufzuzeigen. Ziel seiner Arbeiten ist es häufig, unterschiedlichsten Betrachter*innen eine physische Teilhabe zu ermöglichen, indem er Empfindungen nachspüren lässt, die über das rein visuelle hinausgehen.
Im folgenden Interview gibt Mohamed Al-Bakari spannende Einblicke in seine Arbeitsweise bei der Entstehung von "Between Men":
Der Künstler über die Intimität von Gesten:
Die Art, wie insbesondere Männer miteinander umgehen, ist häufig mit physischem Kontakt verbunden. In Ägypten – oder allgemein in diesem Teil der Welt – ist die Art, wie wir uns begrüßen oder wie wir z. B. Ärger oder Aufregung ausdrücken, sehr intim.
Wenn zum Beispiel zwei Männer im Café sitzen und der eine möchte die Aufmerksamkeit des anderen auf sich ziehen, dann legt er seine Hand auf das Knie des anderen. Ob dies kraftvoll bestimmt oder sanft und dezent ausgeführt wird, macht einen großen Unterschied hinsichtlich der Bedeutung, die wir dieser Geste zuschreiben.
Ich möchte den Gesten so ehrlich wie möglich gerecht werden und extrahiere sie exakt so, wie sie ausgeführt werden. Allerdings nehme ich mir die Freiheit, die Geschwindigkeit der Geste zu modifizieren, genau wie ihre Intensität. Ist die Ausführung schnell oder langsam, kraftvoll oder sanft? Das macht in der Wahrnehmung der Geste einen entscheidenden Unterschied. Geschwindigkeit und Intensität betrachte ich daher als meine Werkzeuge, um zu gestalten wie Bedeutung, Aussage und Perspektive der Gesten rezipiert werden.
Über den intensiven kommunikativen Einsatz unserer Hände
Ich denke, dass wie so stark mit unseren Händen kommunizieren, liegt daran, dass Hände ein ausgezeichnetes Werkzeug darstellen um verschiedenste Emotionen auszudrücken. Um Mitgefühl oder Verärgerung zu zeigen, oder uns groß, bestimmt und selbstbewusst zu geben – oder uns klein zu machen, unterzuordnen und defensiv aufzutreten.
Wie wir uns bei der Begrüßung die Hand geben, was sich in den Sekunden abspielt, bevor du die Hand einer geliebten Person ergreifst, oder den Sekunden, bevor du auf der Straße zufällig in jemanden stolperst – auf solche Dinge genau zu achten, das ist für mich ein besonderer Antrieb in meiner Arbeit.
Darüber, eine Schleife mit sich wiederholenden Gesten auszuführen
Ich sehe Wiederholungen auf ganz ähnliche Weise, wie ich Stille sehe. Denn beides bringt dich zum nachdenken.
Wenn du zum Beispiel mitten in einer Unterhaltung komplett still wirst und nicht länger auf die Kommentare oder Äusserungen deines Gesprächspartners reagierst, dann kreierst du eine Leere. Und das bringt die andere Person dann dazu seine eigene Wahrnehmung zu überdenken.
Mit sich wiederholenden Gesten ist es etwas anders: normalerweise nimmst du eine Geste für bare Münze. Die Art, wie unsere Augen sehen, wie unser Gehirn funktioniert, und wie wir Gesten mit Bedeutung aufladen, formt ein unmittelbares Bild der Wahrnehmung. Aber wenn diese Geste wieder und wieder ausgeführt wird, fragen wir uns, fragen wir den Betrachter, unweigerlich, was dahinter steckt. Warum die Wiederholung? Gibt es Unterschiede von Durchlauf zu Durchlauf? Solch kleine Unterschiede oder Modifikationen füge ich üblicherweise in meinen Performances hinzu, was die Wahrnehmung entscheidend verändern kann.
Was den Anfang und das Ende der Performance betrifft, war meine Absicht eine Schleife oder ein konsistentes, geschlossenes Bild zu erzeugen, das sich losgelöst fühlt von Zeit
Über das Zusammenfügen der Choreografie:
Beim Erarbeiten der Choreografie entschied ich mich dafür jede einzelne Geste separat zu erarbeiten und die jeweiligen Möglichkeiten der Ausführung richtig tief zu durchdringen.
Nimm als Beispiel die Geste der Umarmung: Manche Männer umarmen mit einem Arm um die Schulter und dem anderen Arm um die Taille; andere legen beide Arme um die Schulter. Im Detail gibt es viele Wege eine Umarmung auszuführen. Dazu habe ich meine eigene visuelle Bibliothek erstellt, sozusagen ein Buch der Gesten – fast wie eine Bedienungsanleitung, die erklärt, wie man Dinge zusammenbaut.
So entstand die Choreographie. Ich habe jede einzelne Geste für sich genommen analysiert und studiert, welche Variationen möglich sind. Und dann habe ich im Grunde gepuzzelt: Mit welcher Geste fange ich an, mit welcher höre ich auf? Wie möchte ich, dass sich die jeweilige Geste im Laufe der Choreographie entfaltet? Und wie sehen die möglichen Wiederholungen und Formen genau aus?
Über das Bühnenbild und die schauspielerische Komponente:
Das Spiel mit Wiederholungen und kontinuierlichen Modifikationen ist die eine Sache. Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf den Entscheidungen hinsichtlich des Bühnenbilds und der schauspielerischen Darbietung. Hiermit meine ich insbesondere die ästhetischen und konzeptionellen Entscheidungen; unter anderem zum Raum, zur Kleidung oder zum Alter der Darsteller. Ich wollte einen neutralen Raum; nichts was einen spezifischen Ort nachzubilden versucht wie etwa ein Café oder eine bestimmte Strasse. Der Raum hat weisse Wände und einen Holzboden. Mehr nicht. Er hat quasi kein sonstiges Gewicht, keine überflüssigen Ebenen.
Die Darsteller tragen Kleidung, wie sie jeder tragen könnte – ganz unabhängig von Herkunft, sozialem Stand oder Bildungsniveau.
Ich sehe die Darsteller gewissermaßen als Vehikel zum Kommunizieren der Choreografie. Deshalb gibt es keine spezielle Mimik, keine sich verändernden Gesichtsausdrücke. Die Performance bleibt stoisch, konsistent, ohne Hinzufügung jeglicher Dramatik. Es ist im Wesentlichen nur eine Schleife, die dort aufhört, wo sie beginnt.
Über seine Biografie:
Den Zusammenhang zu meinem persönlichen Background sehe ich am ehesten im performativen Aspekt meiner Arbeit. Als Jugendlicher habe ich die Notwendigkeit verspürt, auf eine gewisse Weise 'männlich' zu agieren, oder Dominanz und manchmal Gleichgültigkeit zu verkörpern, selbst wenn mir Dinge oder Personen ganz und gar nicht gleichgültig waren. Oder ich dachte, ich müsse Interesse in Personen oder Dinge zum Ausdruck bringen, auch wenn sie mich in Wahrheit gar nicht interessierten. Diese Art von Druck, körperlich und emotional zu 'performen' – letztlich um eine Fassade darüber aufrecht zu halten, wie ich als Person wirke – hat mich wohl besonders stark beeinflusst. Ich glaube, es ist diese im wahrsten Sinne körperliche Arbeit, um auf eine bestimmte Weise zu sprechen, zu agieren und somit eine bestimmte Botschaft auszusenden, die mich zu meinen heutigen Arbeiten und Themen geführt hat.
Welchen Einfluss Social Distancing auf seine Projekte hat
Offensichtlich ist performatives Arbeiten mit einer Vielzahl von Menschen zur Zeit kaum möglich. Vor der Pandemie gab es Orte, an denen eine Ansammlung von Menschen – auch in gewisser Nähe zu einender – zusammen kommen und meine Arbeiten erleben konnten. Das gilt fürs Publikum und die Darsteller gleichermaßen. Solche Orte entfallen zur Zeit vollständig.
Aber ich erkenne sehr deutlich, dass meine Arbeiten beim Publikum mehr denn je das Gefühl oder den Wunsch nach menschlicher Nähe und Interaktion auslösen. Leider bleibt dies aktuell ein unerfüllbarer Wunsch; sowohl auf persönlicher wie auf künstlerischer Ebene.
Inwieweit "Between Men" sich zu einer interaktiven, das Publikum einbeziehenden Performance entwickeln könnte:
Klar, das kann ich mir gut vorstellen. Es ist absolut machbar und ich war auch schon in diese Richtung unterwegs. Die Recherchen, die zu in "Between Men" geführt haben, sind noch nicht abgeschlossen und ich denke, sie werden noch zu weiteren Ergebnissen führen; in Ergänzung zum Film.
Leider ist dies momentan stark eingebremst von der Pandemie. Deren Hürden sind allerdings auch ein Antrieb für mich, meine Beobachtungen und Fundstücke aus einem breiteren Blickwickel heraus zu betrachten, neue Möglichkeiten zu entdecken und Narrative zu entwickeln, die ich bislang in dieser Form noch nicht gesehen habe. Auf diesem Weg befinde ich mich bereits – natürlich ist das ziemlich herausfordernd, aber gleichzeitig auch spannend und, wie ich finde, sehr vielversprechend.
"In meinen Arbeiten erzähle ich äusserst persönliche und vermischte Geschichten über meine Hauptthemen: mein Selbst und meinen Bezug zur Identität in sowohl Iran als auch den USA. Dies ist eine heilsame Methode, um Einengungen und Erwartungen aufzubrechen und umzuformen in eine konfrontative Verletz-lichkeit, mit der ich meine Arbeit über Identität hinaus zu größeren Themen erweitern kann."Artist Statement von Labkhand Olfatmanesh
Einen Auszug des in Köln präsentierten Films findest du hier...
Im experimentellen Kurzfilm "Baby Maybe" werden komplexe persönliche Lebensfragen von Frauen aufgezeigt: ihr Bezug zu Elternschaft vor dem Hintergrund von Alter und Zeit. Die Filmemacherin Labhkand Olfatmanesh fängt rohe, unge-schminkte Emotionen von Menschen ein, wie sie durch die Interaktion mit lebensecht wirkenden Puppen entstehen. Hiermit gelingt es Olfatmanesh, das Publikum zu Fragen nach Liebe und Selbstverwirklichung zu lenken.
Labkhand Olfatmanesh untersucht in ihrer multi-disziplinären Kunst Themen wie Feminismus, Herkunft und Isolation. Ihre Arbeiten hinterfragen die duale Ausprägungen dieser Kräfte einerseits für sie als Immigrantin in die USA und andererseits in ihrem Heimatland Iran. Ihre jüngsten Foto- und Video-Arbeiten wurden in Gruppen- und Einzelausstellungen in Großbritannien, Frankreich, USA und Brasilien gezeigt; als Teil der In-Views-Reihe ist Olfatmaneshs Arbeit erstmals in Deutschland zu sehen.
In diesem Video-Interview spricht die Künstlerin über die Arbeit "Baby Maybe"
Weitere Info zu Labkhand Olfatmanesh findest du auf ihrer Webseite
Im experimentellen Kurzfilm "Baby Maybe" werden komplexe persönliche Lebensfragen von Frauen aufgezeigt: ihr Bezug zu Elternschaft vor dem Hintergrund von Alter und Zeit. Die Filmemacherin Labhkand Olfatmanesh fängt rohe, unge-schminkte Emotionen von Menschen ein, wie sie durch die Interaktion mit lebensecht wirkenden Puppen entstehen. Hiermit gelingt es Olfatmanesh, das Publikum zu Fragen nach Liebe und Selbstverwirklichung zu lenken.
"In meinen Arbeiten erzähle ich äusserst persönliche und vermischte Geschichten über meine Hauptthemen: mein Selbst und meinen Bezug zur Identität in sowohl Iran als auch den USA. Dies ist eine heilsame Methode, um Einengungen und Erwartungen aufzubrechen und umzuformen in eine konfrontative Verletzlichkeit, mit der ich meine Arbeit über Identität hinaus zu größeren Themen erweitern kann."Artist Statement von Labkhand Olfatmanesh
Labkhand Olfatmanesh untersucht in ihrer multi-disziplinären Kunst Themen wie Feminismus, Herkunft und Isolation. Ihre Arbeiten hinterfragen die duale Ausprägungen dieser Kräfte einerseits für sie als Immigrantin in die USA und andererseits in ihrem Heimatland Iran. Ihre jüngsten Foto- und Video-Arbeiten wurden in Gruppen- und Einzelausstellungen in Großbritannien, Frankreich, USA und Brasilien gezeigt; als Teil der In-Views-Reihe ist Olfatmaneshs Arbeit erstmals in Deutschland zu sehen.
CONMIDEA IM GESPRÄCH MIT DER KÜNSTERIN, April 2021
Anlässlich unseres Screenings in Köln hat Lia Sàile die folgenden, detailerten und sehr persönlichen Ansichten über ihre Arbeit und ihr Selbstverständis als grenzüberschreitende Künstlerin mit uns geteilt:
Wir freuen uns sehr, mit [TUNIS] eine Arbeit in der in-views-Reihe zu zeigen, die mit dir als deutscher Künstlerin den Blick auf das Dazwischen in interkulturellen Prozessen und Fragen wirft.Was reizt dich an dieser Thematik und woher stammt dein Interesse an der Mena-Region?
Mich wirft diese Frage zurück zu dem Moment, in dem ich zögerte und ab da lange mit mir haderte, Euch meinen dokumentarischen Experimentalfilm [TUNIS] zuzusenden. Darf ich mich bei einer Überschrift wie „kontemporäre Nahost-Kunst“ überhaupt platzieren, ohne zum Beispiel genetische, diasporische, kulturelle Wurzeln in der Region zu haben? Dränge ich mich auf einer Plattform vor, in der Künstler*innen zeigen können, die es vermutlich systemisch und strukturell schwerer haben, in der westlich „weißen“ (Kunst-)Welt zu präsentieren, die hier ihre Sichtbarkeit zelebrieren könnten? Ihr habt mir damals total offen geantwortet, dass es euch genau um diese Schnittstelle gehe.
Mir ist wichtig zu schauen, ob meine künstlerische Auseinandersetzung einen Mehrwert hat, ob es etwas aufmacht, das fragt, anzweifelt, sucht, das verändert. Ich will auf etwas aufbauen, das mit meiner Erfahrung oder meinem kulturellen „Erbe“, meiner Lebenswelt in Verbindung steht. Mir ist es ein Anliegen, mich von problematischen ethnographischen „Studien“ und Exotismus abzusetzen und trotzdem, gerade dann, im künstlerischen Diskurs zu bleiben, statt zu sagen „sollen die doch ihre Themen und Kontexte selber reflektieren“. Wer sind denn „die“? Und sind das nur „deren Themen“? Wir leben in einer globalisierten, hyper-vernetzen Welt. Was im „Nahen Osten“ passiert, hat sowohl viele Wurzeln wie auch Auswirkungen im „Westen“ und vice versa. Viele politisch schwierige Situationen sind mit dem Westen entweder in direktem Zusammenhang entstanden oder wirken sich auf ihn aus.
Deutschland, das Land, in dem ich geboren wurde, versteht sich kulturell als ein christliches Land. Mich fasziniert und irritiert immer wieder dieser offensichtliche und simple Spannungspunkt, dass das Christentum aus dem Nahen Osten kommt, und dass diese Religion – zumindest in der katholischen Variante – nun ihren Sitz, überspitzt gesagt, in Europa, in einem eigenen unabhängigen Staat hat. Das finde ich total verrückt. Die Kreuzzüge zu betrachten, an denen Deutschland beteiligt war, oder die koloniale Geschichte Deutschlands und Europas anzuschauen, und dann all die Jahrhunderte vorzuspulen, bis in unsere heutige globalisierte Welt in der wir politisch, ökonomisch, ökologisch, geographisch in unserer Mobilität und eben auch virtuell/digital, miteinander vernetzt sind – das alles raubt mir den Atem und lässt mich fragen: wer sind wir, als Individuen, als Communities, was können wir bewirken? Wie berühren wir einander, wie schließen wir einander aus, wo fängt unsere Nähe an, wo beginnt die Fremde, wo sind Schwellen, wo stehen wir unter Spannung, wo sind Reibungen, Überschneidungen? Was gilt es zu schützen und wahren, was zu dekonstruieren oder befreien? [TUNIS] spricht diese Spannungsfelder auf vielen Ebenen an, weswegen mir viel bedeutet, den Film bei euch zu zeigen.
Man bezeichnet dich oft als Grenzgängerin. Sind hiermit die interdisziplinären künstlerischen Bereiche und Ausdrucksformen gemeint, bezieht sich das auf inhaltliche Fragen oder ist es im wörtlichen Sinne geografisch zu verstehen?
Der Begriff kommt aufgrund meiner interdisziplinären Arbeit sowie meiner Themenbereiche immer wieder zu mir zurück. Er positioniert mich als künstlerisches Identitäts-Konstrukt in einem „Dazwischen“. Da fühle ich mich in meiner Arbeit und der Art, wie ich diese lebe, sehr wohl. Es ist vielleicht sogar ein Anti-Label. Zum einen kommt es sicher von meiner geographischen Ungebundenheit. Selten habe ich ein Atelier länger als zwei Jahre, bin gerne lange Strecken ohne und arbeite eher mobil, je nach Projekt. Für meine künstlerische Praxis bleibe ich in vielerlei Hinsicht in Bewegung; vom Medium, Material, über Orte bis hin zu Prozessen und Themen möchte ich künstlerisch gerne temporär und mit einer bleibenden Offenheit verdichten und dann wieder weitergeben, statt etwas platt zu verfestigen, zu versiegeln. Mein Wunsch wäre, meine eigenen Arbeiten in ein paar Dekaden anzuschauen und darin sowohl das zeitgemäße als auch das vorausschauende wiederzufinden.
Wie bist du zur Kunst gekommen? Was ist deine Motivation Künstlerin zu sein?
Meine Kunst entsteht aus einer Notwendigkeit heraus, so kann ich es vielleicht zusammenfassen. In ihr kann ich mich am Freisten bewegen. Kunst fordert heraus und gibt nichts vor, wenn man sich traut, das so anzunehmen. Das ist einschüchternd, anstrengend, sowie bereichernd und lässt in alle Richtungen wachsen. Bisher erfüllt und verbindet sich alles in meiner Kunst. Mein Weg hierher war direkt wie verworren zugleich. Ich habe keine klassische Künstler*innen-Biografie durchlaufen. Meine Verortungen in der Kunstwelt seit über einer Dekade sind selbstgebaut, ohne Geländer einer klassischen Ausbildung. Ich habe einfach immer gearbeitet. Erst jetzt nutze ich das Privileg einer Academy of Media Arts in Köln als postgraduale Studentin. Studiert hatte ich vorher Theater-, Film- und Medienwissenschaften in Wien, was mich sehr bereichert und gestärkt hat. Meine Wurzeln kommen aus dem performativen, theatralen, auch musikalischen Bereich, es ging dann über Fotografie und Bewegtbild immer weiter in die Medien- und Materialvielfalt.
Eine ganz persönliche Frage bzw. ein feministischer Exkurs: Du bist zugleich Künstlerin und Mutter. Eine gängige Vorstellung ist es, dass Kunst zu schaffen nur mit einer absoluten Ausschließlichkeit funktioniert. Was bedeutet dies – deiner Meinung nach – für die Akzeptanz und die Karierre als Künstlerin? Spielt das Mutter-sein für deine Arbeit eine Rolle oder hat es nichts miteinander zu tun?
Finde ich großartig und wichtig, die Frage. Über allem lastet die systemische, strukturelle Komponente, die sich auf die Lebbarkeit und Machbarkeit des Konzepts „Mutter und Künstlerin“ im 21. Jh., z.B. in Deutschland bezieht. Man „darf“ ja alles – aber geht das? Wird man weiter ernstgenommen? Geht das finanziell? Wird man mental aufs Abstellgleis gestellt? Die Erzählungen von Kolleginnen – nicht Kollegen! – reichen von abgesagten Residencies und Ausstellungen, über sexistische Kommentare bis hin zu simplen Fakten wie, dass es kaum z.B. Residencies gibt, die familienfreundlich sind, geschweige denn Galerien Betreuung bei Aufbauten oder Rücksicht bei Produktionsläufen nehmen. Das sind Realitäten, denen Frauen mit Kindern ausgesetzt sind, die nur sehr schwerlich angegangen werden. Väter haben dieses Problem (dazu gibt es Studien) wenig bis gar nicht, da erstmal angenommen wird, dass sich die Partnerin kümmert. Künstlerinnen haben oft Angst, darüber zu reden, sich zu „outen“. Es wird immer noch unbewusst angenommen, dass man als Künstlerin nicht gut sein kann, wenn man Mutter wird, als komme einem da bei der Geburt irgendwas auf immer abhanden. Auch wird oft vermutet, man mache danach nicht weiter. Die Kunstbetrieb ist ohnehin prekär und Frauen sowieso statistisch nachweislich stark benachteiligt. Da gibt es verschiedene Strategien des Umgangs, nicht zuletzt Selbstausbeutung im Sinne von kapitalistischem Produktionsdrang bis zum Burnout, über strategisch vorgefertigte Arbeiten in der Schwangerschaft, um sie im ersten Jahr zu ‚releasen‘, bis hin zu finanzieller Verausgabung in Kinderbetreuung. Das bewusste, entspannte Aussetzen ist da vermutlich schon ein Akt des Protests.Marina Abramović, die ich sehr schätze und die viel für Frauen im Kunstbereich bewegt hat, hat 2016 im Tagesspiegel gesagt, Frauen seien nicht so erfolgreich wie Männer, da sie Kinder haben wollen, was ihre Energie einschränke. An ihrer eigenen Biographie zeigt sie auf, dass man nur durch den Verzicht letztlich eine erfolgreiche Künstlerin werden kann. Dies erscheint mir wie ein Glaubenssatz, der in einer Solidargemeinschaft, einer modernen Demokratie, die Gleichberechtigung zu schaffen versucht, eigentlich nicht mehr hingehört und ganz klar Frauen ausgrenzen und einschränken will. Lehnt sich aber sicher auch an das Mysterium des männlichen Genies und dessen Schaffens an. Ich möchte Mut machen; denn ich arbeite teils effizienter und geduldiger, meine Ideen entstehen in neuen Prozessen, was ich auch auf die meditativen Momente zurückführe, die Entschleunigung, den Rückzug, die neue Art, sich auseinanderzusetzen. Mein Fokus hat sich verschärft, meine Interessen reifen weiter, neue Erkenntnisse und Erfahrungen kommen hinzu. Ich fühle mich eigentlich vor allem bereichert und produktiver. Das liegt aber auch an meiner partnerschaftlichen Situation. Nicht zuletzt erlaubt mir die erhöhte Verletzlichkeit und Sensibilität eine ganz neue Art des Denkens und Arbeitens. In meiner beruflichen Umgebung kam vor allem positives Feedback und neue Arbeits- inklusive Hilfsangebote.Gerne fungiere ich als Vorbildfunktion und Aktivistin, denn gewissermaßen bin ich immer noch sowas wie eine Vorreiterin und möchte beitragen, Strukturen zu verändern, indem ich darüber spreche und einfordere. Es gibt übrigens auch verschiedene Initiativen, die sich dem Thema annehmen, zum Beispiel And She Was Like: Bäm! in Köln oder Kind & Kunst in München.
Kannst du uns etwas über den Entstehungsprozess zu [TUNIS] erzählen? Uns einen Blick hinter die Kulissen gewähren?
Dieser dokumentarische Experimentalfilm, in dem vier Deutsch-TunesierInnen des Kölner Vereins Voices of Jasmine e.V. ein Gedicht eines deutschen Mannes, Adrian Kasnitz, scheinbar über die Stadt Tunis, ins Tunesisch-Arabische übersetzen und dabei immer mehr Fragen zu Sprache, Kultur, Identität und Politik aufkommen, ist ein Grenzsprenger in vielerlei Hinsicht. Ich könnte jetzt auf die vielen verschiedenen Dimensionen inhaltlicher Natur der Gespräche eingehen, die Interkulturalität so brillant zwischen diesen vier Köpfen haben aufleben lassen. Das lasse ich aber an dieser Stelle den Film machen. Gehen wir auf die künstlerische Umsetzung stattdessen ein; denn das geht beim Genre los und hat mir zu Beginn viele Hindernisse geschaffen; Poetry Filme sind ein Genre, in dem Gedichte oft filmisch illustriert oder narrativ umgesetzt werden, vielleicht mal deskriptiv experimentell; es gibt da ganz tolle Arbeiten. Aber in diesem Genre ein fast dokumentarisches Format zu entwickeln, das ein Gespräch aufzeichnet, in dem *über* ein Gedicht gesprochen, geschweige denn, dieses *übersetzt* wird, und dann noch in einen arabischen Dialekt, und dabei der Prozess auch noch der relevante Aspekt ist, nicht das Gedicht selbst, das ging für einige zu weit. Ich habe sehr an dem Konzept festhalten müssen und es gegen einigen Widerstand und Fragen durchgezogen. Übrigens eine ewige Begleiterscheinung meiner Arbeiten, die selten in ein Format oder Genre passen. Der Film sprengt das Genre, bricht also aus den eigenen Grenzen heraus, und fächert dabei diverse neue Ebenen auf. Ein weiterer Aspekt ist zum Beispiel der englische Untertitel, der essentieller Bestandteil der Kunstarbeit ist, statt nur begleitendes Vermittlungsmedium. Er bringt eine vierte Sprache ins Spiel, die sich als weitere Ebene visuell über die filmische legt. Auch in dieser Sprache werden nicht alle Wort-Such-Momente der Deutsch-Tunesier*innen übersetzt, genau wie im akustischen Teil des Films. Das heißt, einige Begriffe erschließen sich nur Arabischsprechenden oder im weiteren Verlauf des Films. Das wird mit der Einblendung arabischer Schrift einiger Worte nochmal intensiviert, die ebenfalls kryptisch bleibt, was also das Nicht-Verstehen auf eine weitere Ebene erhebt und sichtbar macht. Ein weiterer spannender Schritt, den man jetzt kaum erahnt, war auch die Transkription des gesamten Materials, aber auch die gesamte Übersetzung aller arabischen und französischen Teile, und das alles mit Zeitmarkern, um mir den Schnitt möglich zu machen. Das hat Ferdaous Kabteni sehr akribisch geleistet. Also auch die Post-Produktion basierte auf Übersetzung und Rückführung in das Medium Text.
Visuell ist der Film ein Mischwesen aus dokumentarischer Herangehensweise und einer damit kollidierenden, fast studioartig wirkenden Szenerie rund um ein Sofa, was aber tatsächlich einfach mein damaliges Wohnzimmer war. Visuell wird sehr feinfühlig, ästhetisch, lyrisch, das Geschehen in Nahaufnahmen eingefangen. Es gibt keine Totalen, der Raum wird nicht aufgelöst oder erklärt, der artifiziell geschaffene Kontext des Gesprächs nicht erläutert. Man steigt mitten im Gespräch ein. Schwarzblenden fragmentieren den Prozess, verweisen auf die verschwimmende filmische und echte Zeit, lassen manche Sätze im Dazwischen, in der Leere hängen und nachklingen. Die Wort-Suche, der Austausch der Protagonist*innen ist auf einem unglaublichen Niveau.Meine fantastische Kamerafrau DOP Katja Rivas Pinzon hat eine schwere Handheld-Kamera 6h auf der Schulter gestemmt und mein Wunschformat, nah um die Sprechenden und Ihre Texte, Gesten, Bücher, Blicke herum zu kreisen, so großartig umsetzte. Auch hier wurde mir mehrfach empfohlen, auch Totalen einzubauen, mehrere Kameras zu verwenden, eher stille Positionen einzubauen, um einem klassischen Gesprächs-Setting mehr zu entsprechen, doch mir war die Dynamik und das Mittendrinsein, das Fragmentierende, der wichtigste Aspekt der Arbeit. Es geht um den Prozess selbst. Die Filmproduktion hat auch klar die geplante Tag-Nacht-Grenze überschritten, da wir nie dachten so lange zu drehen. Im Nachhinein bin ich Rivas Pinzon endlos dankbar, auf einen einzigen Scheinwerfer gepocht zu haben, den ich mehrfach ablehnte – wir hätten im Dunkeln gesessen und ich hätte kaum a-chronologisch schneiden können. Der Schnitt war ein nervenaufreibender Marathon; 6h Material in 15 Minuten zusammenbauen, viele Lieblingsmomente gehenlassen, Verschärfen, Reduzieren, mehr Raum lassen, entfalten lassen – eine wunderbare Qual, wenn man das Material kennt. Filmmontage ist sowieso eine Grenzerfahrung für sich.
Du hast bereits sehr viele Interessante Projekte realisiert und ausgestellt. Viele haben ortsspezifische Bezüge. Welche Bedeutung hat der Ort in deiner Kunst?
Orte auch als verhandelbare Zwischen- und Nicht-Orte zu erkennen, als Katalysatoren, erzählende, Assoziationen aufmachende Agierende, ist glaube ich einer der mir wichtigsten Aspekte, und das äußert sich nicht immer zwangsläufig in der finalen Arbeit. Gerade der Titel [TUNIS] ist ein schönes Beispiel, in dem sich alles um einen Ort dreht, den man nie sieht, der über sich hinaus verweist, als etwas nahes und fernes zugleich.
Woran arbeitest du aktuell sonst noch? Worauf kannst du uns neugierig machen?
Zum Beispiel ein von der Stadt München gefördertes Projekt, das im Mai stattfindet, ist initiiert durch den Verein Pulse of Europe, der an mich herangetreten ist. (Als Nebennotiz sei gesagt, dass gleich Babybetreuung & Co in der Umsetzung angeboten wurde!) Der Verein bat mich, für sie ein Kunstprojekt im öffentlichen Raum zu entwickeln, das sich mit dem Thema Solidarität im Kontext der Europäischen Union beschäftigt. Wie nicht verwundern wird, habe ich das Thema stark dekonstruiert und jetzt eine wie ich finde, dynamisch berührende, raumgreifende Herangehensweise gefunden; die Arbeit wird aus über 70 Metern Stoff bestehen. Auch hier habe ich die Schwelle zum Nahen Osten nicht unberührt gelassen, soviel sei schon verraten…
Lia Sáile beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Praxis mit Grenzen, deren Überschreitung und Zwischenräumen, indem sie verschiedene Wirklichkeits-Fragmente und -Konzepte in Beziehung setzt und künstlerische Formen entwickelt, die politische, kulturelle und soziale Spannungsfelder erfahrbar machen. Ihre Arbeitsfelder erstrecken sich von Film über Photo bis zu Sound-, Licht- und Textil-Installationen und -Interventionen.
"Tunis" lässt durch zahlreiche Abblenden ahnen, wie lange und wie intensiv die vier sich noch mit ihrer Aufgabe beschäftigen. Am Ende wird es drei Texte geben, ein Gedicht, eine Übersetzung sowie die Rück-Übersetzung der Übersetzung, die sich die Freiheit genommen hat, das Gedicht umzuschreiben. Und einen Film.
Andreas Altenhoff in: «poetry/film»: Gedichte – Filme – Resonanzen, Köln 2020
Weitere Info zu Lia Sáile findest du auf ihrer Webseite
Zwischen den Sprachen ein Meer – vier Deutsch-Tunesier*Innen suchen nach Worten.
Ein dokumentarischer Experimentalfilm von Lia Sáile (2018), basierend auf dem Gedicht "Tunis" von Adrian Kasnitz (2013).
CONMIDEA IM GESPRÄCH MIT DER KÜNSTERIN, April 2021
Anlässlich unseres Screenings in Köln hat Lia Sàile die folgenden, detailerten und sehr persönlichen Ansichten über ihre Arbeit und ihr Selbstverständis als grenzüberschreitende Künstlerin mit uns geteilt:
Wir freuen uns sehr, mit [TUNIS] eine Arbeit in der in-views-Reihe zu zeigen, die mit dir als deutscher Künstlerin den Blick auf das Dazwischen in interkulturellen Prozessen und Fragen wirft.Was reizt dich an dieser Thematik und woher stammt dein Interesse an der Mena-Region?
Mich wirft diese Frage zurück zu dem Moment, in dem ich zögerte und ab da lange mit mir haderte, Euch meinen dokumentarischen Experimentalfilm [TUNIS] zuzusenden. Darf ich mich bei einer Überschrift wie „kontemporäre Nahost-Kunst“ überhaupt platzieren, ohne zum Beispiel genetische, diasporische, kulturelle Wurzeln in der Region zu haben? Dränge ich mich auf einer Plattform vor, in der Künstler*innen zeigen können, die es vermutlich systemisch und strukturell schwerer haben, in der westlich „weißen“ (Kunst-)Welt zu präsentieren, die hier ihre Sichtbarkeit zelebrieren könnten? Ihr habt mir damals total offen geantwortet, dass es euch genau um diese Schnittstelle gehe.
Mir ist wichtig zu schauen, ob meine künstlerische Auseinandersetzung einen Mehrwert hat, ob es etwas aufmacht, das fragt, anzweifelt, sucht, das verändert. Ich will auf etwas aufbauen, das mit meiner Erfahrung oder meinem kulturellen „Erbe“, meiner Lebenswelt in Verbindung steht. Mir ist es ein Anliegen, mich von problematischen ethnographischen „Studien“ und Exotismus abzusetzen und trotzdem, gerade dann, im künstlerischen Diskurs zu bleiben, statt zu sagen „sollen die doch ihre Themen und Kontexte selber reflektieren“. Wer sind denn „die“? Und sind das nur „deren Themen“? Wir leben in einer globalisierten, hyper-vernetzen Welt. Was im „Nahen Osten“ passiert, hat sowohl viele Wurzeln wie auch Auswirkungen im „Westen“ und vice versa. Viele politisch schwierige Situationen sind mit dem Westen entweder in direktem Zusammenhang entstanden oder wirken sich auf ihn aus.
Deutschland, das Land, in dem ich geboren wurde, versteht sich kulturell als ein christliches Land. Mich fasziniert und irritiert immer wieder dieser offensichtliche und simple Spannungspunkt, dass das Christentum aus dem Nahen Osten kommt, und dass diese Religion – zumindest in der katholischen Variante – nun ihren Sitz, überspitzt gesagt, in Europa, in einem eigenen unabhängigen Staat hat. Das finde ich total verrückt. Die Kreuzzüge zu betrachten, an denen Deutschland beteiligt war, oder die koloniale Geschichte Deutschlands und Europas anzuschauen, und dann all die Jahrhunderte vorzuspulen, bis in unsere heutige globalisierte Welt in der wir politisch, ökonomisch, ökologisch, geographisch in unserer Mobilität und eben auch virtuell/digital, miteinander vernetzt sind – das alles raubt mir den Atem und lässt mich fragen: wer sind wir, als Individuen, als Communities, was können wir bewirken? Wie berühren wir einander, wie schließen wir einander aus, wo fängt unsere Nähe an, wo beginnt die Fremde, wo sind Schwellen, wo stehen wir unter Spannung, wo sind Reibungen, Überschneidungen? Was gilt es zu schützen und wahren, was zu dekonstruieren oder befreien? [TUNIS] spricht diese Spannungsfelder auf vielen Ebenen an, weswegen mir viel bedeutet, den Film bei euch zu zeigen.
Man bezeichnet dich oft als Grenzgängerin. Sind hiermit die interdisziplinären künstlerischen Bereiche und Ausdrucksformen gemeint, bezieht sich das auf inhaltliche Fragen oder ist es im wörtlichen Sinne geografisch zu verstehen?
Der Begriff kommt aufgrund meiner interdisziplinären Arbeit sowie meiner Themenbereiche immer wieder zu mir zurück. Er positioniert mich als künstlerisches Identitäts-Konstrukt in einem „Dazwischen“. Da fühle ich mich in meiner Arbeit und der Art, wie ich diese lebe, sehr wohl. Es ist vielleicht sogar ein Anti-Label. Zum einen kommt es sicher von meiner geographischen Ungebundenheit. Selten habe ich ein Atelier länger als zwei Jahre, bin gerne lange Strecken ohne und arbeite eher mobil, je nach Projekt. Für meine künstlerische Praxis bleibe ich in vielerlei Hinsicht in Bewegung; vom Medium, Material, über Orte bis hin zu Prozessen und Themen möchte ich künstlerisch gerne temporär und mit einer bleibenden Offenheit verdichten und dann wieder weitergeben, statt etwas platt zu verfestigen, zu versiegeln. Mein Wunsch wäre, meine eigenen Arbeiten in ein paar Dekaden anzuschauen und darin sowohl das zeitgemäße als auch das vorausschauende wiederzufinden.
Wie bist du zur Kunst gekommen? Was ist deine Motivation Künstlerin zu sein?
Meine Kunst entsteht aus einer Notwendigkeit heraus, so kann ich es vielleicht zusammenfassen. In ihr kann ich mich am Freisten bewegen. Kunst fordert heraus und gibt nichts vor, wenn man sich traut, das so anzunehmen. Das ist einschüchternd, anstrengend, sowie bereichernd und lässt in alle Richtungen wachsen. Bisher erfüllt und verbindet sich alles in meiner Kunst. Mein Weg hierher war direkt wie verworren zugleich. Ich habe keine klassische Künstler*innen-Biografie durchlaufen. Meine Verortungen in der Kunstwelt seit über einer Dekade sind selbstgebaut, ohne Geländer einer klassischen Ausbildung. Ich habe einfach immer gearbeitet. Erst jetzt nutze ich das Privileg einer Academy of Media Arts in Köln als postgraduale Studentin. Studiert hatte ich vorher Theater-, Film- und Medienwissenschaften in Wien, was mich sehr bereichert und gestärkt hat. Meine Wurzeln kommen aus dem performativen, theatralen, auch musikalischen Bereich, es ging dann über Fotografie und Bewegtbild immer weiter in die Medien- und Materialvielfalt.
Eine ganz persönliche Frage bzw. ein feministischer Exkurs: Du bist zugleich Künstlerin und Mutter. Eine gängige Vorstellung ist es, dass Kunst zu schaffen nur mit einer absoluten Ausschließlichkeit funktioniert. Was bedeutet dies – deiner Meinung nach – für die Akzeptanz und die Karierre als Künstlerin? Spielt das Mutter-sein für deine Arbeit eine Rolle oder hat es nichts miteinander zu tun?
Finde ich großartig und wichtig, die Frage. Über allem lastet die systemische, strukturelle Komponente, die sich auf die Lebbarkeit und Machbarkeit des Konzepts „Mutter und Künstlerin“ im 21. Jh., z.B. in Deutschland bezieht. Man „darf“ ja alles – aber geht das? Wird man weiter ernstgenommen? Geht das finanziell? Wird man mental aufs Abstellgleis gestellt? Die Erzählungen von Kolleginnen – nicht Kollegen! – reichen von abgesagten Residencies und Ausstellungen, über sexistische Kommentare bis hin zu simplen Fakten wie, dass es kaum z.B. Residencies gibt, die familienfreundlich sind, geschweige denn Galerien Betreuung bei Aufbauten oder Rücksicht bei Produktionsläufen nehmen. Das sind Realitäten, denen Frauen mit Kindern ausgesetzt sind, die nur sehr schwerlich angegangen werden. Väter haben dieses Problem (dazu gibt es Studien) wenig bis gar nicht, da erstmal angenommen wird, dass sich die Partnerin kümmert. Künstlerinnen haben oft Angst, darüber zu reden, sich zu „outen“. Es wird immer noch unbewusst angenommen, dass man als Künstlerin nicht gut sein kann, wenn man Mutter wird, als komme einem da bei der Geburt irgendwas auf immer abhanden. Auch wird oft vermutet, man mache danach nicht weiter. Die Kunstbetrieb ist ohnehin prekär und Frauen sowieso statistisch nachweislich stark benachteiligt. Da gibt es verschiedene Strategien des Umgangs, nicht zuletzt Selbstausbeutung im Sinne von kapitalistischem Produktionsdrang bis zum Burnout, über strategisch vorgefertigte Arbeiten in der Schwangerschaft, um sie im ersten Jahr zu ‚releasen‘, bis hin zu finanzieller Verausgabung in Kinderbetreuung. Das bewusste, entspannte Aussetzen ist da vermutlich schon ein Akt des Protests.Marina Abramović, die ich sehr schätze und die viel für Frauen im Kunstbereich bewegt hat, hat 2016 im Tagesspiegel gesagt, Frauen seien nicht so erfolgreich wie Männer, da sie Kinder haben wollen, was ihre Energie einschränke. An ihrer eigenen Biographie zeigt sie auf, dass man nur durch den Verzicht letztlich eine erfolgreiche Künstlerin werden kann. Dies erscheint mir wie ein Glaubenssatz, der in einer Solidargemeinschaft, einer modernen Demokratie, die Gleichberechtigung zu schaffen versucht, eigentlich nicht mehr hingehört und ganz klar Frauen ausgrenzen und einschränken will. Lehnt sich aber sicher auch an das Mysterium des männlichen Genies und dessen Schaffens an. Ich möchte Mut machen; denn ich arbeite teils effizienter und geduldiger, meine Ideen entstehen in neuen Prozessen, was ich auch auf die meditativen Momente zurückführe, die Entschleunigung, den Rückzug, die neue Art, sich auseinanderzusetzen. Mein Fokus hat sich verschärft, meine Interessen reifen weiter, neue Erkenntnisse und Erfahrungen kommen hinzu. Ich fühle mich eigentlich vor allem bereichert und produktiver. Das liegt aber auch an meiner partnerschaftlichen Situation. Nicht zuletzt erlaubt mir die erhöhte Verletzlichkeit und Sensibilität eine ganz neue Art des Denkens und Arbeitens. In meiner beruflichen Umgebung kam vor allem positives Feedback und neue Arbeits- inklusive Hilfsangebote.Gerne fungiere ich als Vorbildfunktion und Aktivistin, denn gewissermaßen bin ich immer noch sowas wie eine Vorreiterin und möchte beitragen, Strukturen zu verändern, indem ich darüber spreche und einfordere. Es gibt übrigens auch verschiedene Initiativen, die sich dem Thema annehmen, zum Beispiel And She Was Like: Bäm! in Köln oder Kind & Kunst in München.
Kannst du uns etwas über den Entstehungsprozess zu [TUNIS] erzählen? Uns einen Blick hinter die Kulissen gewähren?
Dieser dokumentarische Experimentalfilm, in dem vier Deutsch-TunesierInnen des Kölner Vereins Voices of Jasmine e.V. ein Gedicht eines deutschen Mannes, Adrian Kasnitz, scheinbar über die Stadt Tunis, ins Tunesisch-Arabische übersetzen und dabei immer mehr Fragen zu Sprache, Kultur, Identität und Politik aufkommen, ist ein Grenzsprenger in vielerlei Hinsicht. Ich könnte jetzt auf die vielen verschiedenen Dimensionen inhaltlicher Natur der Gespräche eingehen, die Interkulturalität so brillant zwischen diesen vier Köpfen haben aufleben lassen. Das lasse ich aber an dieser Stelle den Film machen. Gehen wir auf die künstlerische Umsetzung stattdessen ein; denn das geht beim Genre los und hat mir zu Beginn viele Hindernisse geschaffen; Poetry Filme sind ein Genre, in dem Gedichte oft filmisch illustriert oder narrativ umgesetzt werden, vielleicht mal deskriptiv experimentell; es gibt da ganz tolle Arbeiten. Aber in diesem Genre ein fast dokumentarisches Format zu entwickeln, das ein Gespräch aufzeichnet, in dem *über* ein Gedicht gesprochen, geschweige denn, dieses *übersetzt* wird, und dann noch in einen arabischen Dialekt, und dabei der Prozess auch noch der relevante Aspekt ist, nicht das Gedicht selbst, das ging für einige zu weit. Ich habe sehr an dem Konzept festhalten müssen und es gegen einigen Widerstand und Fragen durchgezogen. Übrigens eine ewige Begleiterscheinung meiner Arbeiten, die selten in ein Format oder Genre passen. Der Film sprengt das Genre, bricht also aus den eigenen Grenzen heraus, und fächert dabei diverse neue Ebenen auf. Ein weiterer Aspekt ist zum Beispiel der englische Untertitel, der essentieller Bestandteil der Kunstarbeit ist, statt nur begleitendes Vermittlungsmedium. Er bringt eine vierte Sprache ins Spiel, die sich als weitere Ebene visuell über die filmische legt. Auch in dieser Sprache werden nicht alle Wort-Such-Momente der Deutsch-Tunesier*innen übersetzt, genau wie im akustischen Teil des Films. Das heißt, einige Begriffe erschließen sich nur Arabischsprechenden oder im weiteren Verlauf des Films. Das wird mit der Einblendung arabischer Schrift einiger Worte nochmal intensiviert, die ebenfalls kryptisch bleibt, was also das Nicht-Verstehen auf eine weitere Ebene erhebt und sichtbar macht. Ein weiterer spannender Schritt, den man jetzt kaum erahnt, war auch die Transkription des gesamten Materials, aber auch die gesamte Übersetzung aller arabischen und französischen Teile, und das alles mit Zeitmarkern, um mir den Schnitt möglich zu machen. Das hat Ferdaous Kabteni sehr akribisch geleistet. Also auch die Post-Produktion basierte auf Übersetzung und Rückführung in das Medium Text.
Visuell ist der Film ein Mischwesen aus dokumentarischer Herangehensweise und einer damit kollidierenden, fast studioartig wirkenden Szenerie rund um ein Sofa, was aber tatsächlich einfach mein damaliges Wohnzimmer war. Visuell wird sehr feinfühlig, ästhetisch, lyrisch, das Geschehen in Nahaufnahmen eingefangen. Es gibt keine Totalen, der Raum wird nicht aufgelöst oder erklärt, der artifiziell geschaffene Kontext des Gesprächs nicht erläutert. Man steigt mitten im Gespräch ein. Schwarzblenden fragmentieren den Prozess, verweisen auf die verschwimmende filmische und echte Zeit, lassen manche Sätze im Dazwischen, in der Leere hängen und nachklingen. Die Wort-Suche, der Austausch der Protagonist*innen ist auf einem unglaublichen Niveau.Meine fantastische Kamerafrau DOP Katja Rivas Pinzon hat eine schwere Handheld-Kamera 6h auf der Schulter gestemmt und mein Wunschformat, nah um die Sprechenden und Ihre Texte, Gesten, Bücher, Blicke herum zu kreisen, so großartig umsetzte. Auch hier wurde mir mehrfach empfohlen, auch Totalen einzubauen, mehrere Kameras zu verwenden, eher stille Positionen einzubauen, um einem klassischen Gesprächs-Setting mehr zu entsprechen, doch mir war die Dynamik und das Mittendrinsein, das Fragmentierende, der wichtigste Aspekt der Arbeit. Es geht um den Prozess selbst. Die Filmproduktion hat auch klar die geplante Tag-Nacht-Grenze überschritten, da wir nie dachten so lange zu drehen. Im Nachhinein bin ich Rivas Pinzon endlos dankbar, auf einen einzigen Scheinwerfer gepocht zu haben, den ich mehrfach ablehnte – wir hätten im Dunkeln gesessen und ich hätte kaum a-chronologisch schneiden können. Der Schnitt war ein nervenaufreibender Marathon; 6h Material in 15 Minuten zusammenbauen, viele Lieblingsmomente gehenlassen, Verschärfen, Reduzieren, mehr Raum lassen, entfalten lassen – eine wunderbare Qual, wenn man das Material kennt. Filmmontage ist sowieso eine Grenzerfahrung für sich.
Du hast bereits sehr viele Interessante Projekte realisiert und ausgestellt. Viele haben ortsspezifische Bezüge. Welche Bedeutung hat der Ort in deiner Kunst?
Orte auch als verhandelbare Zwischen- und Nicht-Orte zu erkennen, als Katalysatoren, erzählende, Assoziationen aufmachende Agierende, ist glaube ich einer der mir wichtigsten Aspekte, und das äußert sich nicht immer zwangsläufig in der finalen Arbeit. Gerade der Titel [TUNIS] ist ein schönes Beispiel, in dem sich alles um einen Ort dreht, den man nie sieht, der über sich hinaus verweist, als etwas nahes und fernes zugleich.
Woran arbeitest du aktuell sonst noch? Worauf kannst du uns neugierig machen?
Zum Beispiel ein von der Stadt München gefördertes Projekt, das im Mai stattfindet, ist initiiert durch den Verein Pulse of Europe, der an mich herangetreten ist. (Als Nebennotiz sei gesagt, dass gleich Babybetreuung & Co in der Umsetzung angeboten wurde!) Der Verein bat mich, für sie ein Kunstprojekt im öffentlichen Raum zu entwickeln, das sich mit dem Thema Solidarität im Kontext der Europäischen Union beschäftigt. Wie nicht verwundern wird, habe ich das Thema stark dekonstruiert und jetzt eine wie ich finde, dynamisch berührende, raumgreifende Herangehensweise gefunden; die Arbeit wird aus über 70 Metern Stoff bestehen. Auch hier habe ich die Schwelle zum Nahen Osten nicht unberührt gelassen, soviel sei schon verraten…
"Tunis" lässt durch zahlreiche Abblenden ahnen, wie lange und wie intensiv die vier sich noch mit ihrer Aufgabe beschäftigen. Am Ende wird es drei Texte geben, ein Gedicht, eine Übersetzung sowie die Rück-Übersetzung der Übersetzung, die sich die Freiheit genommen hat, das Gedicht umzuschreiben. Und einen Film.
Andreas Altenhoff in: «poetry/film»: Gedichte – Filme – Resonanzen, Köln 2020
Zwischen den Sprachen ein Meer – vier Deutsch-Tunesier*Innen suchen nach Worten. Ein dokumentarischer Experimentalfilm von Lia Sáile (2018), basierend auf dem Gedicht "Tunis" von Adrian Kasnitz (2013).
Lia Sáile beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Praxis mit Grenzen, deren Überschreitung und Zwischenräumen, indem sie verschiedene Wirklichkeits-Fragmente und -Konzepte in Beziehung setzt und künstlerische Formen entwickelt, die politische, kulturelle und soziale Spannungsfelder erfahrbar machen. Ihre Arbeitsfelder erstrecken sich von Film über Photo bis zu Sound-, Licht- und Textil-Installationen und -Interventionen.
Weitere Info zu Roshanak Zangeneh findest duauf ihrer Webseite
Kairo, 2011 bis 2012. Eine historische Periode und ich bin mitten drin in den Ereignissen. Aber ich richte meine Kamera absichtlich nur nach unten. In Ergänzung zur Klangaufnahme der Metropole – mit all ihren Facetten – filme ich lediglich den Fussboden und was immer mir dort vor die Kamera gerät. Aus dieser Perspektive werden die Unordnung und der Müll, die Füße und die Schuhe, aber auch der Boden selbst zu Auslösern für die Vorstellungskraft der Betrachter*innen. Durch das konsequente Einhalten meiner Kamera-Ausrichtung zitiere ich die visuellen Gewohnheiten, die mit der Vogelperspektive und der Vorherrschaft einer Zentralperspektive einhergehen, doch zugleich dekonstruiere ich diese auch.
Aus rein medien-ästhetischer Sicht ist mein Hauptanliegen jedoch, dem Auditiven die wahre Aufmerksamkeit zukommen zu lassen: Der Klang ist die einzige Referenz zum Ungesehenen.
Die Künstlerin über ihren Film "Auf dem Boden der Tatsachen"
Vor dem Hintergrund ihrer journalistischen und kulturwissenschaftlichen Tätigkeiten bedient sich die Konzeptkünstlerin Roshanak Zangeneh unterschiedlicher Medien-Formate. Ihre Arbeiten umfassen Film, Fotographie und Bücher, die in mehreren Orten in Europa sowie dem Mittlerem und Nahen Osten veröffentlicht und verlegt wurden.
Geboren im Iran und aufgewachsen in USA und Deutschland, lebt Zangeneh heute in Kairo, Ägypten. Neben ihrer Arbeit als Künstlerin ist Roshanak auch Mitbegründerin von Contemporary Middle East e. V. (conmidea.org).
Weitere Info zu Roshanak Zangeneh findest du auf ihrer Webseite
Kairo, 2011 bis 2012. Eine historische Periode und ich bin mitten drin in den Ereignissen. Aber ich richte meine Kamera absichtlich nur nach unten. In Ergänzung zur Klangaufnahme der Metropole – mit all ihren Facetten – filme ich lediglich den Fussboden und was immer mir dort vor die Kamera gerät. Aus dieser Perspektive werden die Unordnung und der Müll, die Füße und die Schuhe, aber auch der Boden selbst zu Auslösern für die Vorstellungskraft der Betrachter*innen. Durch das konsequente Einhalten meiner Kamera-Ausrichtung zitiere ich die visuellen Gewohnheiten, die mit der Vogelperspektive und der Vorherrschaft einer Zentralperspektive einhergehen, doch zugleich dekonstruiere ich diese auch.
Aus rein medien-ästhetischer Sicht ist mein Hauptanliegen jedoch, dem Auditiven die wahre Aufmerksamkeit zukommen zu lassen: Der Klang ist die einzige Referenz zum Ungesehenen.
Die Künstlerin über ihren Film "Auf dem Boden der Tatsachen"
Vor dem Hintergrund ihrer journalistischen und kulturwissenschaftlichen Tätigkeiten bedient sich die Konzeptkünstlerin Roshanak Zangeneh unter-schiedlicher Medien-Formate. Ihre Arbeiten umfassen Film, Fotographie und Bücher, die in mehreren Orten in Europa sowie dem Mittlerem und Nahen Osten veröffentlicht und verlegt wurden.
Geboren im Iran und aufgewachsen in USA und Deutschland, lebt Zangeneh heute in Kairo, Ägypten. Neben ihrer Arbeit als Künstlerin ist Roshanak auch Mitbegründerin von Contemporary Middle East e. V. (conmidea.org).
| Das Fenster
Die Kurzfilme werden in Köln-Ehrenfeld im Schaufenster des Ladenlokals "Der gute Grund" präsentiert. Das Glas der Schaufensterscheibe ist zugleich Projektionsfläche für das Bild als auch Verstärker für den Ton, der – ohne sichtbare Lautsprecher – den Bürgersteig ausfüllt und den Betrachter*innen eine körperliche Erfahrung weit über das Visuelle hinaus ermöglicht. Das Konzept des Window-Screenings passt in die aktuelle Pandemie-Lage, denn die Zuschauer*innen können die Arbeiten während der täglich 4-stündigen Ausstrahlung unter Einhaltung von Abstandsregeln vom Bürgersteig aus erleben. Sie können innehalten und gedanklich, emotional und intellektuell – jedoch nicht körperlich – 'eintreten'.
| Feedback
Der Ausstellungsort:
Die Location wurde wegen der thematischen Nähe zu Kernpunkten der In-Views-Reihe ausgewählt: Die Ladenästhetik und -thematik von "Der Gute Grund", als Mischform von Office- und Workshop-Space, kreativem Hotspot und Stätte zum Gedankenaustausch über Nachhaltigkeit und Lebensqualität in unserer Technologiegesellschaft, sowie seine Lage im multikulturell besiedelten und stark frequentierten Szene-Bezirks Kölns korrespondieren auf interessante Weise mit den gezeigten Arbeiten: Auch diese zeugen von persönlichen Biografien in mulit-nationalen Lebensräumen, sie thematisieren und hinterfragen Rollenmuster und sie befassen sich mit Lebensentwürfen, Selbstfindungsprozessen und sozialen wie persönlichen Freiräumen.
Vor allem aber kommt die Kunst hier zum Betrachtenden; sie verlässt den musealen Kontext üblicher Kunstrezeption und findet ihren Platz im alltäglichen Lebensraum.
And here's an interview we did with the artist about the making of "How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover":
Your origin is Morocco, so how did you come to this idea to make a video-performance about the “notices” on Egyptian banknotes?
During my one year residency in Egypt back in 2018-2019, I developed different projects and one of them is “How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover”. I worked on this video-performance as a response to the Egyptian Central Bank prohibiting the circulation of any banknotes that carry text phrases, seals or graphic characters and slogans, and that they will no longer be accepted in banks. This decision was also in response to this form of expression evolved with the Egyptian political precarity and became a way to manifest resilience and solidarity.
I was also inspired by many Egyptian articles that came out following the decision. The articles showed different ways to get rid of handwriting on banknotes. I decided to follow these steps to clean the bills, which left each one of them damaged, shredded until it loses its function and value.
Do the people write phrases on Moroccan banknotes also? If yes, have you realized any differences to the Egyptian phrases?
Upon my arrival to Egypt, one of the things that caught my attention was the writings, phrases and seals on the banknotes. People use handwriting on banknotes to record moments of significance to them; a birthday or greetings for a person, love phrases, or a souvenir.
On the contrary, Morocco's Penal Code prohibits the deliberate use of a note or a coin as a medium for a message, advertising and even writing on it.
In your point of view, what do these following dualities have to do with the writing phrases on the banknotes: public and private space; the individual and the community; visibility and invisibility; belonging and absence?
The writing phrases act as a form of expression, a silent demonstration, a medium of exchange that circulates publicly and privately; and goes beyond the individual.
The act of prohibition and removing the writings from bills, can be seen as a way of erasing a collective memory, the identity that shapes a community.
Catchy red nail polish! What was the thought behind it?
I intended to leave a small token to the viewer, for them to see how the red nail polish I am wearing reacts with the nail polish remover during the one hour performance. It slowly wears off at the edges, as the pile of banknotes increases and the writings are removed. Something about this imagery I also find to be uncanny; the slow and repetitive destruction of the bills and the delicate handling of the bills in a backdrop that seems so neat, almost surgical.
As a multi-disciplinary artist you use different materials and methods for making your artwork. How do you get your inspiration for doing your art?
My practice has always been heavily influenced by my surrounding environment, my experiences and encounters. The choice of medium then becomes intuitive, in the sense that when I fully immerse and engage with a certain context, there is usually a moment of understanding that points me towards the appropriate medium.
Discover more on Soukaina Joual on her website
"With my best regards, for the eternal memory, congratulations, I Love you..." are some of the phrases that are found daily on Egyptian banknotes, which many use to record moments of significance to them. These moments can be a birthday or a souvenir for a person, lovers use it as well to write love phrases as a memory. This form of expression evolved with the Egyptian political precarity to become a way to manifest resilience and solidarity.
All that has become a hindrance since March 2019, after the Egyptian Central Bank prohibited the circulation of any banknotes that carry text phrases or seals, and that they will no longer be accepted in banks.
“How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover” is the video-capture of a performance by Soukaina Joual in which the artist performs a simple repetitive process of cleaning the bills, each one of them becoming slowly damaged, shredded and loses its function or value.
Soukaina Joual is a Moroccan multi-disciplinary artist who's live-performanes have been part of various projects in institutions and spaces in Morocco, Germany, France, Japan, Egypt and South Korea.
And here's an interview we did with the artist about the making of "How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover":
Your origin is Morocco, so how did you come to this idea to make a video-performance about the “notices” on Egyptian banknotes?
During my one year residency in Egypt back in 2018-2019, I developed different projects and one of them is “How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover”. I worked on this video-performance as a response to the Egyptian Central Bank prohibiting the circulation of any banknotes that carry text phrases, seals or graphic characters and slogans, and that they will no longer be accepted in banks. This decision was also in response to this form of expression evolved with the Egyptian political precarity and became a way to manifest resilience and solidarity.
I was also inspired by many Egyptian articles that came out following the decision. The articles showed different ways to get rid of handwriting on banknotes. I decided to follow these steps to clean the bills, which left each one of them damaged, shredded until it loses its function and value.
Do the people write phrases on Moroccan banknotes also? If yes, have you realized any differences to the Egyptian phrases?
Upon my arrival to Egypt, one of the things that caught my attention was the writings, phrases and seals on the banknotes. People use handwriting on banknotes to record moments of significance to them; a birthday or greetings for a person, love phrases, or a souvenir.
On the contrary, Morocco's Penal Code prohibits the deliberate use of a note or a coin as a medium for a message, advertising and even writing on it.
In your point of view, what do these following dualities have to do with the writing phrases on the banknotes: public and private space; the individual and the community; visibility and invisibility; belonging and absence?
The writing phrases act as a form of expression, a silent demonstration, a medium of exchange that circulates publicly and privately; and goes beyond the individual.
The act of prohibition and removing the writings from bills, can be seen as a way of erasing a collective memory, the identity that shapes a community.
Catchy red nail polish! What was the thought behind it?
I intended to leave a small token to the viewer, for them to see how the red nail polish I am wearing reacts with the nail polish remover during the one hour performance. It slowly wears off at the edges, as the pile of banknotes increases and the writings are removed. Something about this imagery I also find to be uncanny; the slow and repetitive destruction of the bills and the delicate handling of the bills in a backdrop that seems so neat, almost surgical.
As a multi-disciplinary artist you use different materials and methods for making your artwork. How do you get your inspiration for doing your art?
My practice has always been heavily influenced by my surrounding environment, my experiences and encounters. The choice of medium then becomes intuitive, in the sense that when I fully immerse and engage with a certain context, there is usually a moment of understanding that points me towards the appropriate medium.
"With my best regards, for the eternal memory, congratulations, I Love you..." are some of the phrases that are found daily on Egyptian banknotes, which many use to record moments of significance to them. These moments can be a birthday or a souvenir for a person, lovers use it as well to write love phrases as a memory. This form of expression evolved with the Egyptian political precarity to become a way to manifest resilience and solidarity.
All that has become a hindrance since March 2019, after the Egyptian Central Bank prohibited the circulation of any banknotes that carry text phrases or seals, and that they will no longer be accepted in banks.
“How to Remove Writings From Bills Using Nail Polish Remover” is the video-capture of a performance by Soukaina Joual in which the artist performs a simple repetitive process of cleaning the bills, each one of them becoming slowly damaged, shredded and loses its function or value.
Soukaina Joual is a Moroccan multi-disciplinary artist who's live-performanes have been part of various projects in institutions and spaces in Morocco, Germany, France, Japan, Egypt and South Korea.